La Distancia Adecuada

2012-01-21T18:54:00.001+01:00

2012-01-21T18:48:00.001+01:00

Mix de Octubre (Spotify)

2010-10-01T23:07:00.003+02:00

Neil Young, Jeff Buckley, Nudozurdo, Sam Cooke, Sparklehorse entre otros...

Jose Luis Corella

2010-08-29T17:06:00.005+02:00

Jose Luis Corella, nació en Valencia en 1959, está licenciado en bellas artes por la facultad de Sant Carles de Valencia. Pintura hiperrealista llevada al extremo. NO se tratan de fotografías.

Remix de Septiembre (Spotify)

2010-08-29T16:20:00.003+02:00

Primera entrega de grandes temas de ayer y hoy, una recopilación mensual de 25-30 canciones al mes, a mi criterio, imprescindibles en cualquier colección musical. Si alguien en este desierto pidiera que las suba a megaupload lo haría gustosamente. La primera a un solo click:

Cocktail

Primer Semestre 2010

2010-06-13T02:40:00.010+02:00

1. TheRadio Dept - Clinging to a Scheme

2. Gorillaz - Plastic Beach

3. Dr. Dog - Shame, Shame

4. MGMT - Congratulations

5. Beach House - Teen Dream

6. Janelle Monáe - The ArchAndroid

7. Standstill - Adelante Bonaparte

8. Sambassadeur - European

No he querido saber, pero he sabido...

2010-06-13T02:10:00.005+02:00

No he querido saber, pero he sabido que una de las niñas, cuando ya no era niña y no hacía mucho que había regresado de su viaje de bodas, entró en el cuarto de baño, se puso frente al espejo, se abrió la blusa, se quitó el sostén y se buscó el corazón con la punta de la pistola de su propio padre, que estaba en el comedor con parte de la familia y tres invitados. Cuando se oyó la detonación, unos cinco minutos después de que la niña hubiera abandonado la mesa, el padre no se levantó en seguida, sino que se quedó durante algunos segundos paralizado con la boca llena, sin atreverse a masticar ni a tragar ni menos aún a devolver el bocado al plato; y cuando por fin se alzó y corrió hacia el cuarto de baño, los que lo siguieron vieron cómo mientras descubría el cuerpo ensangrentado de su hija y se echaba las manos a la cabeza iba pasando el bocado de carne de un lado a otro de la boca, sin saber todavía qué hacer con él. Llevaba la servilleta en la mano, y no la soltó hasta que al cabo de un rato reparó en el sostén tirado sobre el bidet, y entonces lo cubrió con el paño que tenía a mano o tenía en la mano y sus labios habían manchado, como si le diera más vergüenza la visión de la prenda íntima que la del cuerpo derribado y semidesnudo con el que la prenda había estado en contacto hasta hacía muy poco: el cuerpo sentado a la mesa o alejándose por el pasillo o también de pie. Antes, con gesto automático, el padre había cerrado el grifo del lavabo, el del agua fría, que estaba abierto con mucha presión. La hija había estado llorando mientras se ponía ante el espejo, se abría la blusa, se quitaba el sostén y se buscaba el corazón, porque, tendida en el suelo frío del cuarto de baño enorme, tenía los ojos llenos de lágrimas, que no se habían visto durante el almuerzo ni podían haber brotado después de caer sin vida. En contra de su costumbre y de la costumbre general, no había echado el pestillo, lo que hizo pensar al padre (pero brevemente y sin pensarlo apenas, en cuanto tragó) que quizá su hija, mientras lloraba, había estado esperando o deseando que alguien abriera la puerta y le impidiera hacer lo que había hecho, no por la fuerza sino con su mera presencia, por la contemplación de su desnudez en vida o con una mano en el hombro. Pero nadie (excepto ella ahora, y porque ya no era una niña) iba al cuarto de baño durante el almuerzo. El pecho que no había sufrido el impacto resultaba bien visible, maternal y blanco y aún firme, y fue hacia él hacia donde se dirigieron instintivamente las primeras miradas, más que nada para evitar dirigirse al otro, que ya no existía o era sólo sangre. Hacía muchos años que el padre no había visto ese pecho, dejó de verlo cuando se transformó o empezó a ser maternal, y por eso no sólo se sintió espantado, sino también turbado. La otra niña, la hermana, que sí lo había visto cambiado en su adolescencia y quizá después, fue la primera en tocarla, y con una toalla (su propia toalla azul pálido, que era la que tenía tendencia a coger) se puso a secarle las lágrimas del rostro mezcladas con sudor y con agua, ya que antes de que se cerrara el grifo, el chorro había estado rebotando contra la loza y habían caído gotas sobre las mejillas, el pecho blanco y la falda arrugada de su hermana en el suelo. También quiso, apresuradamente, secarle la sangre como si eso pudiera curarla, pero la toalla se empapó al instante y quedó inservible para su tarea, también se tiñó. En vez de dejarla empaparse y cubrir el tórax con ella, la retiró en seguida al verla tan roja (era su propia toalla) y la dejó colgada sobre el borde de la bañera, desde donde goteó. Hablaba, pero lo único que acertaba a decir era el nombre de su hermana, y a repetirlo. Uno de los invitados no pudo evitar mirarse en el espejo a distancia y atusarse el pelo un segundo, el tiempo suficiente para notar que la sangre y el agua (pero no el sudor) habían salpicado la superficie y por tanto cualquier reflejo que diera, incluido el suyo mientras se miró. Estaba en el umbral, sin entrar, al igual que los otros dos invitados, como si pese al olvido de las reglas sociales en aquel momento, consideraran que sólo los miembros de la familia tenían derecho a cruzarlo. Los tres asomaban la cabeza tan sólo, el tronco inclinado como adultos escuchando a niños, sin dar el paso adelante por asco o respeto, quizá por asco, aunque uno de ellos era médico (el que se vio en el espejo) y lo normal habría sido que se hubiera abierto paso con seguridad y hubiera examinado el cuerpo de la hija, o al menos, rodilla en tierra, le hubiera puesto en el cuello dos dedos. No lo hizo, ni siquiera cuando el padre, cada vez más pálido e inestable, se volvió hacia él y, señalando el cuerpo de su hija, le dijo “Doctor”, en tono de imploración pero sin ningún énfasis, para darle la espalda a continuación, sin esperar a ver si el médico respondía a su llamamiento. No sólo a él y a los otros les dio la espalda, sino también a sus hijas, a la viva y a la que no se atrevía a dar aún por muerta, y, con los codos sobre el lavabo y las manos sosteniendo la frente, empezó a vomitar cuanto había comido, incluido el pedazo de carne que acababa de tragarse sin masticar. Su hijo, el hermano, que era bastante más joven que las dos niñas, se acercó a él, pero a modo de ayuda sólo logró asirle los faldones de la chaqueta, como para sujetarlo y que no se tambaleara con las arcadas, pero para quienes lo vieron fue más bien un gesto que buscaba amparo en el momento en que el padre no se lo podía dar.

Corazón tan blanco - Javier Marías

Karate - Unsolved

2010-02-14T05:12:00.002+01:00

Uno de los mayores exponentes de esta década en cuanto a fusión de géneros se refiere, totálmente atemporal.

Enlace

Mis 50 discos de la década 2000-2009

2010-02-14T05:02:00.002+01:00

1 - Flotation Toy Warning - Bluffer's Guide to the Flight Deck

2 - Arcade Fire – Funeral
3 - M. Ward - Post-War
4 - Radiohead - In Rainbows
5 - The Libertines - Up the Bracket
6 - Nacho Vegas – Desaparezca aquí
7 - The Strokes - Is This It
8 - Belle & Sebastian – The life pursuit
9 - Blonde redhead – 23
10 - Smog – Dongs of sevotion
11 - Vitalic – Ok Cowboy
12 - Sufjan Stevens – Illinois
13 - Bloc party - silent alarm
14 - Yo La Tengo - And Then Nothing Turned Itself Inside-Out
15 - Karate - Unsolved
16 - Bon Iver – For Emma- forever ago
17 - Clint Mansell - The Fountain
18 - The Avalanches - Since I Left You
19 - Arctic Monkeys - Whatever People Say I Am, That's What I'm Not
20 - The dodos - Visiter
21 - Spoon - Ga Ga Ga Ga Ga
22 - Bill Callahan – Sometimes I wish were an Eagle
23 - Tom waits – Real gone
24 - Circulatory System – Circulatory System
25 - Anathallo - Floating world
26 - Muse - Absolution
27 - Messer chups – Vamp babes
28 - Angelo Badalamenti – Mulholland Drive
29 - The Dandy Warhols - Thirteen Tales From Urban Bohemia
30 - Gravenhurst – the western lands
31 - Metric - Old World Underground, Where Are You Now
32 - Bright Eyes - I'm Wide Awake, It's Morning
33 - Amy Winehouse – Back to black
34 - The Last Shadow Puppets - The Age Of The Understatement
35 - Comets on fire - Blue Cathedral
36 - Iron & Wine - Our Endless Numbered Days
37 - Laika - Good looking blues
38 - Moloko - Statues
39 - Venetian Snares - Rossz csillag alatt született
40 - Deerhunter – Microcastle
41 - The veils – Nux vomica
42 - 16 horsepower - Secret south
43 - Do Make Say Think - You, You're a History in Rust
44 - The killers - Hot fuss
45 - Agalloch - The mantle
46 - The Flaming Lips - Yoshimi Battles the Pink Robots
47 - Piano Magic - Disaffected
48 - Extremoduro – Yo, minoría absoluta
49 - Shack-Here's Tom With The Weather
50 - Liars - Drum's Not Dead

Discos 2009

2009-12-18T22:47:00.005+01:00

1. Bill Callahan – Sometimes I wish we were an Eagle

A veces pienso que Bill ha nacido en una década que no le corresponde, que si este álbum lo hubiera publicado a últimos de los 60-principios de los 70 sería un clásico y Too many birds , Eid ma clack shaw o Jim Cain serían admiradas por Cohen o Dylan. La percusión de este disco va a crear escuela en el folk de los próximos años. Mi banda sonora a través de todo el 2009.

2. M. Ward - Hold time

El cancionero de M.Ward está llegando a ser algo histórico, le salen los temas como churros, sus versiones de Neil Young y Buddy Holly superan incluso a las originales, y vuelve a demostrar en este nuevo disco que si alguien sabe hacer un disco sin rellenos es él. Un dia adoras más a Fisher of men , otro día a Never had nobody like you otro To save me ...pero todos los días las adoras todas.

3. Wild beasts – Two dancers

Escuchar, por ejemplo, All the king's men y superar la característica voz del vocalista asegura, al menos, un disco altamente adictivo, fresco y lleno de grandes momentos

4. The horrors – Primary coloursUna sensación de déjà vu me viene siempre que lo escucho, como si todos estos temas hubieran sido compuestos anteriormente en otra época, pero luego me doy cuenta que es del 2009 y cada vez lo valoro más y más...

5. Phoenix – Wolfgang Amadeus Phoenix

Parece como si este año Phoenix le hubieran robado la inspiración a Franz Ferdinand para aprovecharla en este meritorio disco, que no suena a nada que no se haya escuchado ya, pero mil veces disfrutable.

6. Grizzly Bear - Veckatimest

Las comparaciones son odiosas pero... me gusta más que el de Animal Collective. Ganará aún más con el tiempo. Y Two weeks es un pepinazo.

7. Julian Casablancas - Phrazes For The Young

O como hacer algo fuera de una banda tan aclamada y respetada como The Strokes y conseguir mantener el tipo sin perder casi ni un ápice de calidad.

8. Fuck Buttons - Tarot Sport

Entra a última hora pero tan directo al top 10 como los latigazos electrónicos que se han sacado este dúo inglés.

9. Danger Mouse & Sparklehorse – Dark Knight of the soul

David Lynch, Iggy Pop, Wayne Coyne, Julian Casablancas, Jason Lytle…y encima el disco está a la altura de tanto nombre. Ojalá se hicieran cada año más proyectos de este tipo.

10. Silversun Pickups - Swoon

Roza el tópico, el emo adolescente y se acerca a decenas de grupos que abomino, pero este disco me parece cremita. Quizás en unos meses lo haya olvidado, pero de momento no sale de mi mp3. The royal we es una muestra, y Growing old is getting old es uno de los temas “in crescendo” del año.

Nacho Vegas en concierto

2009-10-25T00:42:00.006+02:00

Genial y redondo directo del señor Vegas en el auditorio Victor Villegas hace 2 semanas. Si ya iba con las expectativas altas, todo el grupo se encargó de estar soberbio, desde Manu Molina en la batería hasta Abraham Boba en el piano y acordeón. Puntualidad máxima, sonido cojonudo (y más estando a 1 metro de los altavoces del escenario XD) y casi 2 horas de climax musical.

Y un repertorio muy completo:

1-La plaza de la soledá
2-Canción de Palacio #7
3-Crujidos
4-Detener el tiempo
5-Que te vaya bien, miss carrusel
6-Maldición
7-Gang-Bang
8-Nuevos planes, idénticas estrategias
9-Va a empezar a llover
10-Dry Martini S.A

11-Dias extraños
12-El hombre que casi conoció a Michi Panero
13-Ocho y Medio
14-Morir o Matar
15-Perdimos el control

Talking Heads - Remain in light

2009-10-25T00:32:00.002+02:00

Una de las bandas más influyentes de todos los tiempos son los TALKING HEADS, ejemplo arquetípico de banda nueyorquina de rock intelectual y esnob. Y mucha de su importancia se concentra en este disco, que recoge la quintaesencia de los años ochenta pese a haberse publicado precisamente en el primer año de esa década. "Remain In Light" es un pórtico de entrada ideal a aquella extraña época y a su confusa, ecléctica, borrosa música. En este álbum se anticipa mucho de lo mejor y de lo peor de aquellos años. Aquí tenemos la semilla de mucha de la música de baile que poco a poco se fue consolidando: acentuando el volumen del bajo y de la percusión, obsesión por el sonido puro y perdiendo protagonismo la voz y los instrumentos solistas.

La compleja y fascinante arquitectura interna del sonido de "Remain in Light" contiene una gran influencia de los ritmos africanos. Especialmente en "Born Under Punches", "The Great Curve" y "Once In A Lifetime". El funk pop febril que había caracterizado a los Heads desde sus comienzos con "Psycho Killer" hasta "Fear Of Music" aún encuentra su versión más refinada en cortes irresistibles como "Crosseyed And Painless" o "Houses In Motion". Y la larga mano de Eno se nota al final del disco: en las densas atmósferas de sintetizadores creadas para la esquizofrénica "Seen And Not Seen" y la más contemplativas y étnica "Listening Wind" y la oscura "The Overload"

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Vitalic - OK Cowboy

2009-10-25T00:18:00.002+02:00

Vitalic no es un visionario ni un transgresor. Tampoco un innovador. En su lugar, trabaja con melodías muy sencillas y se encarga de darles una esmerada producción que se va descubriendo a cada nueva audición. Su principal mérito es el de conseguir una electrónica para todos los públicos, y se consagra como una entidad capaz de crear música fácilmente accesible sin renunciar a la calidad.

"OK Cowboy" recupera antiguos éxitos e incluye nuevas propuestas para aglutinar en un formato muy accesible el universo sintético y artificial del autor. Las canciones completas se codean con experimentos sonoros más o menos machacones en una diversidad de sonoridades que van de lo más ligero a los ritmos más reiterativos, sin abrir nunca las puertas a la electrónica más dura.

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Family - Un soplo en el corazón

2009-06-18T14:23:00.003+02:00

A pesar de la gran acogida que tuvo el disco -casi toda la prensa musical de la época lo catalogó como el mejor disco del año 1994- Family no hizo promoción del mismo y sus presentaciones fueron nulas. El grupo consiguió con “Un Soplo en el Corazón” asentar el desprestigiado tecno-pop español, sin que nadie haya podido alcanzar, de nuevo, un resultado tan perfecto.

Un Soplo En El Corazón con el correr de los años sería reconocido como uno de los mejores álbumes de la década de 1990, según varias encuestas y listas de la época. Además de ser uno de los álbumes que darían origen al Sonido Donosti.

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Top películas

2009-05-22T17:16:00.010+02:00

1. La Naranja Mecánica, Stanley Kubrick (1971)

2. El Padrino II, Francis Ford Coppola (1974)

3. 12 hombres sin piedad, Sidney Lumet (1957)

4. Lost in translation, Sofia Coppola (2003)

5. Taxi Driver, Martin Scorsese (1976)

6. Fargo, Joel & Ethan Coen (1996)

7. El show de Truman, Peter Weir (1998)

8. Toro Salvaje, Martin Scorsese (1980)

9. Kill Bill, Quentin Tarantino (2003)

10. Ex Drummer, Koen Mortier (2007)

11. Psicosis, Alfred Hitchcock (1960)

12. Matar a un ruiseñor, Robert Mulligan (1962)

13. Mystic River, Clint Eastwood (2003)

14. Al final de la escapada, Jean-Luc Godard (1960)

15. Stalker, Andrei Tarkovsky (1979)

16. Paris, Texas, Wim Wenders (1984)

Grandes planos secuencia de la historia del Cine

2009-05-12T19:23:00.006+02:00

Ya sea por simple necesidad del director a la hora de rodar de un golpe una escena dividida en varios escenarios o por un impulso de llamar la atención con una espectacularidad a veces desmesurada, casi cualquier cineasta que se precie ha de tener en su filmografía cierta cantidad de planos secuencia donde se refleje de cara a la galería esa pericia tras la cámara, a la hora de planear y montar coreografias de gran complejidad. Y digo de cara a la galería porque no por un bonito travelling lateral de 5 minutos que realice X director ya va a ser mejor que Y, que filma usualmente mediante planos estáticos y cortos, pero si que se llevará mayores ovaciones X por parte del público masivo, ya que el trabajo tras la cámara en el primer caso es visualmente más palpable y reconocido, siempre y cuando haya talento detrás de la steady cam, como ocurre en la pequeña lista que voy a incluir, de planos secuencia insuperables, inmejorables e inigualables:

1 - La Condena, Bela Tarr

En este filme del cineasta húngaro, lleno de silencios en todo momento, de frias escenas donde la monotonía y el ritmo sosegado llenan cada plano, y donde la música brilla por su ausencia, de repente aparece la majestuosidad hipnotizante de esta escena recorriendo las miradas perdidas y hundidas de la gente, las paredes mojadas por las gotas de lluvia y el sentimiento de nostalgia y abandono que pocas veces se ha plasmado mejor.

2. Sed de Mal, Orson Welles

3. Kill Bill vol.1, Quentin Tarantino

4. Uno de los nuestros, Martin Scorsese

Sufjan Stevens - Illinoise

2009-03-14T13:55:00.003+01:00

Barroco en muchos casos, y a su mayor gloria por ello, a pesar de su ambición de mosaico histórico y geográfico, en el marco de una americana en sonido y letras lustrosa, abigarrada y casi excesiva, el propio Stevens no desaparece del todo y por momento parece ser el único hilo conductor posible. Si en la inconmensurable “John Wayne Gacey, Jr”, el retrato del mítico asesino en serie encuentra un momento de conexión asombroso en esa valiente última estrofa ( “En mi mejor conducta/ En realidad soy como él/ Busca debajo de los suelos de tarima/ Los secretos que he escondido” ), en el momento más excesivo en sonido del disco, “Chicago”, ese insistente “He cometido un montón de errores en mi vida” , se convierte en un mantra que levanta el nervio del disco y lo eleva a las alturas en las que permanece en el recuerdo, como un poso de buen vino.

Stevens es, además, y como no le queda más remedio que ser, un astuto zorro, un amable tramposo. A “Chicago” le sucede “Casimir Pulaski Day”, adornado con un banjo tañido sin alardes, dejando caer ese susurro de voz solista y los coros con casi abandono y languidez, haciendo que la entrada susurrante de unas mínimas líneas de trompeta tengan tanta presencia como todo el montaje de “Chicago” en una canción que, en realidad, contiene mucho más drama. Son innumerables los, tal vez, legítimos trucos de este estilo que va dejando Stevens desperdigados por el disco, construyendo así el método que ha terminado por legitimar su aparente locura. Sólo así se explica que títulos imposibles como “The Predatory Wasp of The Palisades Is Out To Get Us!” se alíen con melodías como las que lo adornan y orquestaciones como las que a su vez la interrumpen, para que el conjunto sobreviva tanta sospecha de posmodernidad revenida.

Desde este segundo paso, y con la incerteza que en realidad nos debe asistir ante estas cosas, todo parece indicar que en realidad estamos asistiendo con este disco al comienzo de una quimera. Glorioso viaje, probablemente, a ninguna parte. Y esos son los mejores.

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The last shadow puppets - The age of the understatement

2009-03-14T13:33:00.002+01:00

Frescura, fuerza y belleza pop son las primeras palabras que se dibujan en el momento que está sonando "Standing Next to Me", uno de los hits del álbum The Age of the Understatement, de The Last Shadow Puppets, y ahora ya del colectivo indie pop. El disco pasa armónicamente de canciones de ritmo trepidante, como "The age of the understatement" o "Only the truth", a las más melódicas "My mistakes were made for you", así como las magistrales "The meeting place" y "Time has come again", que cierran el disco.

The Last Shadow Puppets beben de aquellas bandas precursoras que, superada la mitad de los años 60 se atrevieron a introducir arreglos de cuerda, como las canciones del Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. De hecho, a pesar de las raíces beben de hace cuatro décadas, algunas de sus canciones hacen recordar que hay cosas que pueden reinventarse en pleno siglo XXI.

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Nacho Vegas - Desaparezca aquí

2009-03-14T13:08:00.003+01:00

Todo comienza con la introductoria Maravillas de la condición humana, que termina marcando, de manera consciente o no, el desarrollo del disco. No por sus guitarras pesadas y tortuosas, sacadas de las raíces del western más profundo, sino por esa única frase que se repite en sus apenas dos minutos de duración: “Todo el mundo fantasea con una muerte dramática”. Y así es, la muerte está muy presente en Desaparezca aquí: el protagonista de El hombre que casi conoció a Michi Panero prepara su funeral, mientras que en Cerca del cielo (canción de Juanito Oiarzábal) se muestra admiración por la manera en que se enfrenta el montañero a su destino último. Pero quedarse ahí es sólo rasgar en la superficie, y además de las filias y fobias más características del cantautor sobre la existencia y el fracaso, hay aquí una notable evolución (u otro giro de tuerca más) en sus concepciones musicales.

La más llamativa puede ser la aparente festividad que desprenden muchos momentos del álbum, a pesar de la amargura de fondo de los mismos o de la fama de personaje oscuro de Nacho Vegas. Ya sean los aires circenses de la ya mentada El hombre que casi conoció a Michi Panero, los cánticos de taberna de Perdimos el control, la mezcla de ambas cosas en Nuevos planes, idénticas estrategias, la entidad rock de Ella me confundió con otra persona o la épica de Al norte de mí. Otra es que Las Esferas Invisibles han dejado de ser su banda de acompañamiento para ocupar un lugar preeminente a lo largo de todo el álbum. Con una única excepción, Ocho y medio, que con una fabulosa melodía de guitarra acústica -apenas acompañada en un fragmento por una harmónica y una ligera percusión-, nos sumerge en una terrible historia de sentimientos que se evaporan, pasando de la más bella poesía a la más cruda y dura realidad.

Sin duda eso es en lo que Nacho Vegas sí que puede empezar a ser considerado el mejor. En su capacidad para contar historias, de alternar registros, de emplear figuras, de tocarnos con canciones que son mucho más que meros vehículos para edulcorar vidas vacías. Nacho Vegas se enfrenta a sus miedos, dudas y esperanzas, y nos permite acompañarle y golpearnos contra los mismos muros, seguirle y soñar junto a él. Y una vez que terminan los brillantes arreglos y emotivos instrumentales de La noche más larga del año, lo que queda es la impresión de acabar de escuchar una obra maestra contemporánea, de ésas que nos acompañarán cuanto menos mucho tiempo. Lo que no es poco en estos trágicos tiempos que nos ha tocado vivir.

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Arctic Monkeys - Favourite worst nightmare

2009-03-01T17:39:00.001+01:00

Después de aquel bombazo que supuso aquel "Whatever people say I am, that's what i'm not", no estamos ante el segundo disco más esperado de la década, ni nos lo han vendido como tal. Arctic Monkeys no necesitan disfrazarse de nada, ni presumir de actitud o ser los más cools; ni tampoco destrozan hoteles o agraden a la prensa. Son los mismos cuatro chavales (exceptuando al bajista Nick O’Malley, sustituto de Andy Nicholson) de veintipocos años que a base de buenas canciones y directos cada vez más redondos, se han hecho un hueco entre los grupos más prometedores del momento. Todo ello, en parte gracias a su calidad contrastada, la humildad en sus poses y porqué no decirlo, al favor de una prensa cada vez más ávida de nuevos iconos que enarbolen un tipo de rock que comenzaba a mostrar ciertos signos de estancamiento.

Entonces… ¿Cuál es el misterio de este Favourite Worst Nightmare?, pues ninguno. Está realizado con los mismos ingredientes que los de su antecesor, la misma chispa, urgencia punk y contundencia heredada de The Clash, The Jam, The Libertines o los primeros Strokes. Un álbum cuyas canciones quizá no tengan el impacto de su primer disco, o que nuevamente vuelvan a adolecer de la falta de estribillos memorables, pero que son tan efectivas y contagiosas como aquéllas.

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Deep Purple - Made in japan

2009-03-01T17:34:00.002+01:00

Este excelso lp contiene siete cortes, convirtiéndose varios de ellos con el transcurso del tiempo en verdaderos clásicos de la banda.
El disco comienza con "Highway Star", un excelente tema que contiene una brillante estructura rítmica, en el que se complementan a la perfección Lord y Paice, sin olvidarse de un gran aporte de Blackmore en la guitarra y un impecable trabajo de Gillan.
Continúa con "Maybe I'm a Leo", una estructura interesante que le sirve a Gillan para destacar en sus grandes facultades vocales.
Le prosigue "Pictures of Home", canción que se inicia con una pequeña introducción de Paice, y que a lo largo del tema tiene un espacio para que se destaquen cada miembro en un fragmento.

Luego llega el turno de "Never Before", un extraño tema que se podría dividir en dos, una parte cercana a un tema lento y en otras partes muy movida.
"Smoke On The Water" presenta tal vez el riff inicial más famoso del genero y un verdadero clásico, no solo del hard rock de la época sino de todo el rock, con un gran trabajo en las seis cuerdas de Blackmore.
Le sigue "Lazy", tema que comienza con un muy buen aporte de Lord que además contiene un pequeño agregado de armónica para completar un tema excelente.
Y culmina con "Space Truckin'", otro corte con una gran parte rítmica sobresaliendo la labor de Lord, Blackmore y Gillan.

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Iggy Pop - Lust for life

2009-03-01T14:35:00.000+01:00

Tras su anterior grabación conjunta titulada "The Idiot", la pareja David Bowie y uno de sus grandes ídolos musicales, Iggy Pop, el ex líder de los Stooges, vuelven al estudio de grabación para realizar uno de los mejores trabajos de la más famosa iguana de Ypsilanti.

Gracias a la producción y composición musical en muchos temas de Bowie, que también colabora en piano y coros, el ejemplar dúo rítmico de Tony y Hunt Sales y las guitarras de Carlos Alomar y Ricky Gardiner, Iggy Pop graba un cimbreante disco de sobresaliente ejecución vocal, abierto con el vertiginoso compás del clásico "Lust for life", al que siguen arrebatadoras canciones pop de tenue maquillaje rock, como la sensual, dominada por un pegadizo riff, "Sixteen", el rock de abrumadora carga energética de "Some Weird Sin", el hipnótico recorrido del clásico "The Passenger", "Tonight", pieza que posteriormente el camaleónico artista británico versionaría junto a Tina Turner (en una adaptación inferior a la de Iggy) o la canción que cierra el disco de alegre y sugerente ritmo de teclado, cantada con un gran cinismo por Iggy y titulada "Fall in love with me".

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Pulp - His "n" hers

2009-03-01T14:06:00.002+01:00

Toda la esencia de Pulp está contenida, más incluso que en Different Class o en Separations, en este redondo álbum, donde terminaron de definir su propio sonido y se desmarcan como una alternativa sólida (e incluso para algunos superior) a aquellos Blur, Oasis, Suede...un compendio de temazos fiesteros, llenos de personalidad propia, y unos arreglos orquestales apropiadísimos.

Descarga parte 1

Descarga parte 2

The Strokes - Is this it

2009-03-01T00:37:00.002+01:00

Hay discos que en cuanto terminan necesitas volver a ponerlos, hay canciones que en cuanto terminan necesitas volver a ponerlas y hay canciones que en cuanto empiezan son tan buenas que ya quieres volver a ponerlas. ‘Is This It?’ de los Strokes pertenece de alguna manera a las tres categorías. Efectivamente en cuanto suenan los primeros acordes de ‘Is This It?’, la canción, y Julian Casablancas canta: “he mentido para venir a tu casa”, estás deseando volver a escuchar esa frase.

The Strokes, un cruce perfecto entre la querencia arty de la Velvet Underground (“The Modern Age”, “Is This It”), el rock desplegado en el CBGB a mediados de los setenta (“Someday”, “New York City Cops”) y el r&b stoniano del de toda la vida. Referencias que, ni son nuevas, ni dejarán de repetirse en el futuro en multitud de bandas, pero que, en este caso y sin que sirva de precedente, no pueden ser tomadas a la ligera. Afortunadamente para nuestra, cada día más recuperada, fe en el rock´n´roll, los Strokes cuentan con ese algo, ese no-sé-qué, esa esencia destilada de Manhattan, ese espíritu real, veraz y sin artificios que todos los grupos de rock deberían poseer. Un estilo andamiado en canciones de estribillos tan arrebatadores como los “Alone Together” o “Barely Legal” –con esa guitarra tan Tom Verlaine-, en ese himno ochentero y trepidante que es “Hard To Explain”, o en la belleza simple y envolvente de “Trying Your Luck”… ejemplos todos ellos que nos dejan con un excelente sabor de boca que aumenta con cada nueva escucha que le dispensamos a un disco al que no falta fuelle y que se devora de principio a fin.

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The Clash - London Calling

2009-03-01T00:29:00.002+01:00

Con su debut homónimo en 1977 The Clash había grabado uno de los mejores, sino el mejor, disco de punk-rock. Con "London Calling" y de la mano de la producción genialmente tosca y espontánea de un chalado Guy Stevens, The Clash se convirtieron por un momento en la mejor banda de rock del mundo. Construyeron su "Exile On Main Street" particular, su propia mezcolanza de géneros y estilos, su propio híbrido que lo mismo introducía el ska y el reggae en el rock para quedarse, que recordaba toda la genealogía del género, recuperando el aroma del primer rock'n'roll de los años cincuenta, del que en cierto modo el punk era descendiente directo y hermano espiritual.

Inspirados como nunca, irrefrenables en sus ansias de crecer, terminaron por necesitar dos discos para explayarse, aunque forzaran mediante un recorte de sus propios royalties un precio de disco sencillo, el típico gesto que dotaba a The Clash de una dimensión ética adicional que ha reforzado siempre su aura de banda comprometida. Y ese compromiso político que se les suponía no lo abandonaban en esta ocasión, pero las temáticas se ampliaban, en beneficio de una mayor frescura que aumentaba su credibilidad.

Si repasamos las letras nos encontramos desde un lúcido retrato de la alienación consumista ("Lost In the Supermarket") hasta una romántica visión de la Guerra Civil española ("Spanish Bombs") que tiene el mismo y escaso respeto por la Historia que por el idioma castellano. Sin embargo es la convicción la que convierte todo este disco en algo tan entrañable como auténtico. Pero sobre todo es la música y la pasión, la pasión desbordada, la que alimenta la máquina. Rock tocado con menos destreza que sentimiento, Rock precario y nervioso, urgente. Rock que bebe desde el clasicismo de la versión de "Brand New Cadillac", o el reggae de "Jimmy Can't Fail" o "Brong'Em Boyo" a la melódica belleza de "Train In Vain". De hecho la homónima "London Calling" ofrece, a mi parecer, la mejor fusión de sonido jamaicano y rock'n'roll jamás realizada mientras proclama el fin de la eterna (y "estúpida") Beatlemanía.

Junto con el debut homónimo de los Ramones, este es el disco definitivo de punk-rock. Imperdonable no tenerlo.

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Bright eyes - I'm wide awake, it's morning

2009-03-01T00:14:00.001+01:00

I'm wade awake it's morning conforma un encuentro entre el folk-pop más preciosista y el country acústico, donde las canciones se van sucediendo desde las risueñas melodías campestres de "At the bottom of everything" hasta esa suerte de concesión final que fusiona de manera imposible el espíritu más folk de Banhart con los bajos humeantes y arrebatadores de Radio 4, que es "Road to joy"; sí, parece imposible, pero no lo es. Entre todo esto, destaca sobre todo la mesura de unas canciones repletas de arreglos (banjo, steel guitar, cuerdas, vientos...) que en cambio nunca aparecen recargadas, por el contrario, estos arreglos se mantienen siempre en un discreto segundo plano, apareciendo y desapareciendo en los momentos más oportunos. Lo mismo sucede con el tratamiento de la voz, que es utilizada de forma impecable a lo largo de todo el disco, sin excesos, con los giros y quiebros justos. "Try under water" o "Fisrt day of my life" suponen los mejores momentos del disco, pero también "Poison oak" o "We are nowhere and it's now", en las que Oberts se basta de su voz y de una prodigiosa capacidad melódica para atrapar al oyente con unos desarrollos que luego se encargan de vestir cada momento de country, folk, o pop.

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El desencanto - Jaime Chávarri

2009-02-28T21:01:00.004+01:00

Recuerdo que empecé a mostrar cierto interés (aunque más que interés diría magnetismo o empatía) por la familia Panero al leer un par de poemas del mediano de los tres hijos de Leopoldo y Felicidad Blanc, el esquizofrénico y retorcido Leopoldo María Panero, miembro de los novísimos, grupo de poetas renovadores de los 70, y del que también he podido leer algo de Gimferrer y Félix de Azúa. Pero como no es algo instintivamente pasional el sentir admiración por una típica familia burguesa del franquismo, terminé olvidándome de los Panero hasta que llegó a mis oídos el grandisimo tema de Nacho Vegas, en referencia a Michi Panero, y volví a leer alguna que otra cosa de Leopoldo padre, biografías de la familia, anécdotas que parecen sacadas de Salsa rosa o del Qué me dices! y que parecen conformar una telenovela llena de envidias, disputas, ruinas, locuras y escándalos que para sí hubiera querido el panorama del corazón actual.

Sucede que habían pasado 12 años de la muerte de Leopoldo Panero, conocido como “el poeta más intimista de la poesía española”, el “poeta de Franco” o “el asesino de los ruiseñores” como lo llamaba Neruda, y en su ciudad natal, la orgullosa Astorga, se estaba levantando una estatua en su honor. Entonces, a José Moisés, el menor de los tres hijos del rapsoda astorgano – el guapo, inteligente y sensible Michi, quien a sus 23 años soportaba mal la hipocresía y el aburrimiento históricos que le tocaban vivir-, se le ocurrió rodar una película documental sobre su familia, y convenció su madre y hermanos. Y es así que Felicidad (la viuda cultísima y elegante, la otrora niña bien madrileña casada con el poeta que nunca le dio bola), y los hijos Panero Blanc: Juan Luis, Leopoldo María, y Michi, (cínicos, poetas y locos los tres en distintas proporciones, pero todos casi siempre en algún estado etílico, durante el rodaje y su vida en general), desnudaron frente a la cámara profundas intimidades y oscuros conflictos familiares, dando forma a un film que se convirtió en un símbolo de transición post franquista.
Fue un experimento que causó revuelo en su época y que asombra incluso hoy, 31 años después, a pesar de estos tiempos de youtube y realitys que corren. Ya quisieran los Osborne tener las ideas y el resuelto encanto de los Panero.

Lo que más me ha fascinado de este documental no ha sido el mismo en sí, si no el documento que contiene, un auténtico destripe y desmitificación de la familia Panero, que deja a un lado la vocación poeta de sus miembros y se centra en sus miserias, excesos, fracasos, extravagancias y, en definitiva, todo lo que ha llevado a ese “desencanto”, cuyo desarrollo lleva un tono sosegado, nostálgico e inexplicablemente contenido, hasta que llega Leopoldo María, con suma honestidad, sin morderse la lengua, y revienta toda la estructura temporal y anecdótica que se había forjado antes en el espectador en base a las confesiones de Felicidad Blanc, Juan Luis y el bueno de Michi. Incendia y hace saltar los débiles resortes de sus relaciones familiares, inunda sus comentarios con sentencias del tipo “en la infancia vivimos y en el resto de vida sobrevivimos”, “a raíz de la feliz muerte de nuestro padre empezó en nosotros a surgir el humor” reprochándole a su madre “fuiste una cobarde al meterme en el sanatorio por acusarme de consumir grifa, mucho más sana que un celtas” “tú fuiste la causa de mis desastre” y a la vez confesando “a mí lo que me gustaría es acostarme con mi madre” “el colegio es una institución penal en la que nos enseñan a olvidar la infancia” “yo me destruyo para saber que soy yo, y no todos ellos” “La sociedad, más que por intercambios mercantiles, se rige por intercambio de humillaciones”…Leopoldo saca a relucir toda su mala ostia esquizofrénica, adornada con destellos lúcidos, y protagoniza todos esos momentos en los que se denota que la familia se fue a pique hace ya muchos años, y a pesar de todo, aparece una latente degradación que no aparenta ser única y exclusiva de esta familia y que hubiera servido de modelo para muchas familias burguesas de los últimos coletazos del franquismo, con sus mismas heridas no cicatrizadas, los mismos amores, odios profesados, personajes egocéntricos y ruinas económicas.

Una auténtica reliquia de culto para todo aquel al que le interese el clan de los Panero y el mejor documento de corazón y cotilleo de la historia de este país.

Nick Cave and The Bad Seeds - Let love in

2009-02-28T20:41:00.003+01:00

Nick Cave and The Bad Seeds es una banda de rock/post-punk con una alineación internacional y fluctuante. Fue formada en 1984 por dos miembros de la desaparecida banda australiana The Birthday Party: Nick Cave (cantante, compositor) y el músico Mick Harvey. Se les unió el guitarrista Blixa Bargeld, miembro de la banda alemana Einstürzende Neubauten, el ex guitarrista de la banda Magazine Hugo Race y el también miembro de esta última banda Barry Adamson, bajista y pianista.Con esta alineación la banda grabó y lanzó su álbum debut From Her To Eternity en 1984.

Este "Let love in" data de 1994, y es para mí, su mejor disco.

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Muse - Absolution

2009-02-28T20:27:00.002+01:00

Posiblemente el grupo británico más querido en nuestro país en estos momentos, realiza con Absolution un disco lleno de matices, que supuso la consagración definitiva de la banda.

Tras un apabullante y emocional debut y una reválida mucho más agresiva, histriónica y rockera, ambos discos igualmente notables, el trio inglés publicó con Absolution un disco barroco, como era de esperar, pero ecléctico y que combina a partes iguales reflexión y rabia y acierta en ambas tesituras, así como en los medios tonos. Tal vez el disco que empieza a concretar mejor la verdadera personalidad de Muse y que les consagra como una de las bandas más fuertes del viejo continente.

Absolution suena menos americanizado y marciano que Origin of Symmetry. Olvida o, mejor dicho, dosifica ese tipo de riffs crujientes, deudores del sonido de Seattle o incluso del funk-metal, para hacer una acertada mixtura de la herencia del hard-rock con retazos de pop, metal, rock alternativo e incluso música clásica. Puede que sea un disco más difícil, que no entre a la primera, pero darle un par de escuchas y tendréis que volver a sus brazos.

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David Bowie - Hunky Dory

2009-02-28T20:09:00.003+01:00

Estamos ante un trabajo sencillamente perfecto en el que BOWIE se apartaba el toque hard de su precedente para tirarse el campo de las melodías sublimes y los arreglos imposibles trasladando, sí, a ese envolvente escapismo adolescente con picos de luz, épica, dulzura, delicadeza, tragedia y, por supuesto, belleza a raudales. “El miedo está en tu cabeza, sólo en tu cabeza / así que olvídate de tu cabeza y serás libre” canta en la estupenda versión cabaretera del “Fill Your Heart” de Biff Rose, echando el lazo a los abatidos corazones de un público que lo convirtió en su guía espiritual.

El citado punto cabaretero de “Fill Your Heart”, guiado por las teclas de un extraordinario Rick Wakeman (YES), es sólo una de las múltiples caras de este disco en el que, pese a su amplia variedad de registro, se sientan las bases de lo que será el sonido de BOWIE de la etapa de los Spiders From Mars. Secundado por Mick Ronson (guitarra), Trevor Bolder (bajo) y Mick Woodmansey (batería) y asistido en la producción por Ken Scout, en “Hunky Dory” surge ese sonido suave y pulido pero de un intensísimo efecto emocional, detallista hasta lo barroco pero sin perder con ello ni un ápice de fluidez, y protagonizado siempre por las omnipresentes cataratas de piano de Wakeman que, al poco, se abren en un extensísimo catálogo de arreglos que arropan al mejor BOWIE conocido hasta la fecha. Imposible no dejarse contagiar por los temas de choque inmediato: el contagioso pasillo estereofónico de espejos pop de “Changes”, la luminosa inyección de vitalidad del estribillo de “Oh! You Pretty Things” o el estimulante vigor rockero de ese “Queen Bitch” que tributa a la VELVET UNDERGROUND. Difícil resistirse al segundo estrato de tempos mediados: dosificando la pasión al ralentí en “Eight Line Poem”, rayando lo genial a golpes de folk espasmódico con “Andy Warhol” o dando lecciones de género (el suyo propio) en la canónica “Song For Bob Dylan”, en la que como en la anterior BOWIE admite subliminalmente su condición de fan, discípulo y regenerador, en ese punto de inteligente humildad que tan bien le ha venido siempre.

Quedan para esta pincelada final las turbias y oscuras vibraciones de un subyugante “The Bewlay Brothers”, críptico broche final del disco supuestamente autobiográfico y tema de mil y una interpretaciones por los fans, y la inmensa fragilidad cuasi espectral de un “Quicksand” soberbio. Y, ya por último, es obligada la reverencia al mayor monumento del disco, probablemente tras “Heroes”, la mejor canción grabada por BOWIE. Hablamos lógicamente de la inmortal “Life On Mars?”, un monumento de tres minutos y pico que, desde luego, logran que toda esta barata literatura sobre las vías de escape, romanticismo juvenil y música como banda sonora imaginaria quede en nada ante la experiencia real. Su épica pop de escorzos vocales imposibles y orquestaciones superlativas, se alza como una sacudida en la fibra sensible del oyente de un modo tal que es imposible no sentir esas ganas de huir de este mundo surrealista.

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XTC - Skylarking

2009-02-22T23:55:00.002+01:00

Su debut es un catálogo impecable de pop afilado, rabioso, disonante y con mucha personalidad. Ya podemos encontrar ciertas características que harán del pop ‘made in XTC’ una marca de fábrica: una música «pizpireta» pero adulta, con una vena social, reivindicativa, pero no panfletaria, una facilidad para la elaboración de canciones gloriosas en 3-4 minutos al alcance de muy pocos, y un cierto carácter arisco y «asocial» (nunca han ido de estrellas, ni le han puesto las cosas fáciles al sistema establecido) que hará que a pesar de ser, en mi modesta opinión, un grupo que tendría que haber vendido millones de discos, siempre hayan permanecido, incluso en su país, en un discreto segundo plano, del que comenzaron a salir, para alegría de sus fans, cuando a principios de los 90 se reeditaron sus álbumes en compact-disc.

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Wilco - Summerteeth

2009-02-22T23:49:00.003+01:00

El sonido de marca de Wilco cambia, al retroceder las guitarras y dar paso a una proliferación exuberante y deliciosa de teclados (pianos, órganos y sintetizadores), que incrementan el cada vez más preponderante papel de Jay Bennett dentro de la banda. Además de los teclados, otros arreglos tan acertados como los vientos del final de "Pieholden Suite" que remiten a "Penny Lane", pero que al acompañarse de un banjo desconciertan de un modo encantador, o esos teclados reproducidos a la inversa de "How To Fight Lonliness" que te traspasan como un soplo de desconcertante viento helado ayudan a la consecución (autoproducida) de un "wall of sound" que remite más a Phil Spector y los Beatles que al "Pet Sounds".

"Summerteeth" parece contar una historia de una manara críptica, sin mostrar las cartas. Pero lo que sí que está claro es que tiene algo de accidentado viaje interior a través del estado anímico y sentimental del protagonista (que puede no ser el autor), una de esas aventuras que contienen el auténtico peligro y la verdadera recompensa. Éste comienza el disco en un estado de ansiedad y confusión ante sus sentimientos ("Can´t Stand It") y va acumulando rabia y frustración. Hasta que todo se resuelve en el nudo gordiano del disco en su parte central, la más brillante, en donde de la derrota más absoluta de la magistral "How To Fight Lonliness", intenta escapar mediante el instinto vengativo que muestra al principio de "Via Chicago" ("Soñé con asesinarte esta noche de nuevo, y me pareció bien") para retornar al cansancio más devastador del final (con esa magistral mezcla de las dos versiones del tema, la eléctrica por debajo de la acústica, en la que Tweedy queda desnudo ante la adversidad). Pero el entusiasta y bienintencionado arrepentimiento de "ELT" ("Cuanto me he estado perdiendo desando que estuvieses muerta") le redime finalmente. Y a partir el resto del álbum es un placentero discurrir por los meandros de un alma cada vez más en paz consigo misma.

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Millennium Mambo - Hou Hsiao Hsien

2009-02-22T23:08:00.002+01:00

Hou Hsiao Hsien es un director taiwanés que goza de bastante aceptación entre los aficionados al cine asiático, pero lamentablemente no tiene la distribución merecida en España. Millennium Mambo retrata la postmodernidad asiática, con los pequeños apartamentos, las discotecas de música electrónica y las drogas de diseño...vamos, el jodido siglo XXI. La historia transcurre entre Taipei y el helado norte de Japón, Hokkaido. De esta manera, Hous Hsiao Hsien retrata un mundo de contrastes, saltando de la excitación y la luminosidad a una clara mañana nevada, igual que se contrastan Hao Hao y Jack, los dos amantes de Vicky, cada uno venido de un mundo distinto, y ella volando entre ambas dimensiones.

Frágil, con un guión tan sutil que parece inexistente o anecdótico y un desarrollo que va dando bandazos hacia ninguna parte en concreto (hasta que al final pega una gran e inesperada sacudida), pero con un aspecto visual y sonoro apasionante, que agarra al espectador y lo mantiene pegado delante ese festival de fotografía bellísima y rica en tonalidades, encuadres llenos de planos medios-cortos y una apropiadísima banda sonora tecno que suena durante, probablemente, el 70% de la película. Es una experiencia visual, llena de historias de amor imposibles, personajes crípticos fumando, mirando al infinito y peleas coloristas a ritmo de música electrónica.

Pocos comienzos de película hay que sean tan hipnóticos y fascinantes como éste. En un largo tralleving de dos minutos y medio de duración, la cámara sigue a la bella actriz Shu Qi a través de un inacabable túnel iluminado por luces cenitales fluorescentes. Un resplandor de neón tenue y verduzco empapa la atmósfera, como si se tratara de una fantasmagoría. La intérprete avanza ajena a nosotros, pero lanzando miradas de soslayo a su espalda como si intuyera nuestra lejana presencia. Sus movimientos acompasados, al ralentí, congelan el instante, colmando de sentido el momento presente. A intervalos regulares da una calada al cigarro y sonríe tímidamente, ocultándonos su faz. Está enamorada. Poco después alza los brazos como si quisiera arrancar a bailar. Sola, pero no tan sola; en realidad, acompañada. La cámara no avanza en línea recta, sino que ondula y vira levemente hacia los lados como una frágil embarcación de madera mecida por un mar en calma. La cámara, en su serpenteo, amenaza con perder a su objetivo del encuadre; pero no lo pierde. Sujeta con pulso firme el timón pese a estar embriagada de belleza. La música tecno de Lim Giong, con su canción ‘A Pure Person’, simboliza ese tránsito al nuevo milenio: la modernidad, el amor que termina sin terminarse. La voz en off de la actriz a quien seguimos en su lento caminar envuelve de melancolía nuestro aliento con sus lánguidas palabras, dejando en nuestro corazón un poso de tristeza.

Tom Waits - Rain Dogs

2009-02-22T00:13:00.003+01:00

Thomas Alan Waits (nacido en Pomona (California) el 7 de diciembre de 1949) es un pianista, cantante, compositor y actor estadounidense, famoso por sus canciones de tono áspero inspiradas en escritores de la generación Beat, en especial Jack Kerouac y Charles Bukowski

No sobra ningún tema. Waits canta como nunca. Y las canciones pasan a la posteridad ("Downtown Train", "Jockey Full Of Bourbon", a la cabeza). Aunque si algo tiene Waits, son canciones, precisamente. Quien quiera iniciarse con el estilo tan envolvente e inolvidable de Waits puede empezar por este "Rain Dogs" como una de las mejores opciones, una oportunidad idónea. El bueno de Tom sabe que es único en crear sonidos circenses, cabareteros, sucios...y aquí lo explota como nunca.

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M.Ward - Post War

2009-02-22T00:05:00.003+01:00

Matt Ward, cantante y guitarrista, vive actualmente en Portland, Oregon y graba con su banda Rodriguez. Su repertorio cuenta con canciones folk-pop acústicas, enraizadas con la tradición guitarrística del folk americano (John Fahey).

Una de los trabajos más lúcidos e inspirados de la última década, y una de las referencias si nos centramos únicamente en el folk. Con auténticas obras maestras como "Poison cup" o "Right in the head", perfecto para iniciarse en el sonido del norteamericano, cuyo último disco, "Hold Time", acaba de salir del horno hace escasos días.

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Ex Drummer - Koen Mortier

2009-02-21T23:29:00.002+01:00

¿Cómo es posible extraer algo decente de un elenco de personajes tales como un gay con un brazo paralítico por cascársela demasiado fuerte y cuya madre se quedó calva al pillarlo en plena faena, un skihead que liquida a las mujeres con las que se topa, un sordo loco cuya hija de meses de edad se revuelca entre rayas de cocaína o alguien llamado big dick cuyo miembro viril le mide medio metro? Misoginia, homofobia, pornografía, sangre, vomitos, sexo anal, incesto, trio... Koen Mortier consigue el milagro de hacer que una basura en contenido y en apariencia contenga morbo puro, ese aliciente que todos deseamos ver en películas de esta calaña; y aquí está servido en buffet libre, sin retiradas de la cámara justo en el momento más nauseabundo.

Koen, lejos de desentenderse y salir del paso como sea, lo aborda todo con oficio, no se trata de un sucio proyecto amateur hecho con cuatro duros y con llamativas ínfulas desesperadas de transgresión. El manejo de la cámara lenta y la música en off son co-jo-nu-das, especialmente en el momento en el que suenan magníficos temas de Mogway o Ghinzu. Ya desde los primeros 5 minutos, en una secuencia "rever" que "avanza" marcha atrás, se da uno cuenta que ni siquiera la dirección va a ser algo convencional. La película es un constante looping que asciende desde lo más bajero y autodestructivo de la mente humana y llega hasta la racionalidad y la actitud de Dries, el absoluto centro de la historia, que maneja al resto de personajes cuales marionetas en un vertedero, y se erige como el amo de todo el cotarro. Es precisamente la historia de Dries la que más llama la atención. Su ritmo y nivel de vida contrasta con el resto de componentes del grupo. Mientras él tiene una economía más que aceptable, un trabajo, una casa decente y una bonita mujer el resto vive literalmente en la basura y en la inmundicia, pero no obstante se introduce de lleno en ese mundo "underground", ese mundillo de miseria y caos que quizá esté dentro de todos. Buscando en lo más profundo, quizá no son tan diferentes en el fondo. El drama más deprimente y el humor más ácido (hay un par de escenas descojonantes, hasta el punto de que uno mismo parece avergonzarse al reirse de semejantes disparates) forman gran parte de esa montaña rusa que deja confuso y aturdido a cualquiera.

¿Que busca desesperadamente la polémica y el afán de protagonismo a base de intentar hacer cada secuencia más asquerosa que la anterior? Puede que sí, pero en una cinta tan radical y directa como esta no creo que lo importante sea valorar un trasfondo descarado a buscar el escándalo y políticamente incorrecto, está realizada para provocar, desde la primera línea de guión hasta el último plano. Puestos a contextualizar la película dentro de un mensaje y siendo muy academicistas y objetivos, toda la obra puede resultar un auténtico despropósito, pero yo al menos, ya sea por ese factor de “autodescubrimiento”, que parece valorar una película semidesconocida con más aprecio de lo que verdaderamente se merece, la he disfrutado sorprendentemente. No es una película fácil, deja al Saló de Passolini y a Trainspotting en un juego de nenas anticuado y desfasado y lo más posible es que se lleve palos por todos lados, ahí esta la muestra de que se ha estrenado en contados cines fuera de Bélgica, y hasta allí ha sido fuertemente vapuleada y polémica. Es una vuelta de tuerca a todo el cine transgresivo y agresivo en las formas, donde vuelve a reivindicarse todo el mal gusto y la perversión, al estilo Visitor Q, de Takashi Miike, pero desde otro ángulo de visión y con más matices. Si en la cinta de Miike el observador más directo era el propio "Visitor" dentro de la película, en Ex Drummer toda la experiencia recae sobre el espectador, haciéndole partícipe del ejemplo de "cine anarquista" más claro y obsceno de los últimos años.

Kings of Leon - Because of the times

2009-02-09T15:57:00.003+01:00

El nombre del grupo deriva del padre y del abuelo de Nathan, Caleb y Jared, llamados Leon. Jared y Caleb nacieron en Tennessee, mientras que Nathan y Matthew son de Oklahoma. Los hermanos pasaban gran parte de su tiempo viajando por el sur de los Estados Unidos con su padre, un predicador y su madre, que les enseñaba cuando no estaban en el colegio.

En este álbum, el tercero del gurpo la voz de Caleb Followill rasposa y adolorida, transmite memorables momentos, no tan ocupados en crear voluntariamente o no himnos. Atrás han quedado las largas barbas, no como reabilitados rockeros sino mas bien como quien se renueva y sigue divirtiéndose. Kings of Leon tienen un sonido muy personal sureño y fuerte, con base en guitarras con referencias bluseras pasando desde licks suaves a rasgueos rápidos y fuertes, batacazos y líneas de bajo con una cohesión derivada de los lazos familiares y horas en el camino. Un disco que suena a clásico.

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Love of lesbian - Maniobras de escapismo

2009-02-09T15:49:00.002+01:00

Love of Lesbian es un grupo de pop-rock indie español radicado en Barcelona que está en activo desde 1998. Después de tres discos en inglés, decidieron cantar en castellano, lengua en la cual han sacado sus últimos dos discos. Un momento importante para su proyección como grupo fue la actuación como teloneros de The Cure durante el Dream Tour 2000.

Son uno de los grupos más apreciados por la crítica de la escena indie española, sobre todo a partir de la publicación de Maniobras de escapismo en 2005. “Mi personulidad “, “Houston, tenemos un poema” (Balmes-Bowie de nuevo) o “Me llaman Octubre” (toda una oda afrancesada al malrollismo imperante) son buena muestra de un disco con un gran estilo y adictivo como pocos.

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The Chameleons - Script of the bridge

2009-02-08T22:42:00.002+01:00

Mark Burgess (voz y bajo), Dave Fielding y Reg Smithies (guitarras) y John Lever (batería) fueron uno de los paradigmas de bandas de After punk / New wave que merecía más reconocimiento y nunca llegaron a donde les hubiese tocado en un mundo más justo. De aquella época, sólo The Sound les superan en mala suerte y méritos no reconocidos a tiempo.

Originarios de Manchester, después de una cortísima estancia en Epic editaron su primer álbum, éste «Script of the bridge» para el sello indie Statik en 1983. Una joya oculta de pop-rock con toques de psicodelia y tensión punk que vendió menos que la Frigo en el Polo Norte. Aquí lo dejo.

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T.Rex - Electric Warrior

2009-02-08T22:27:00.002+01:00

"Electric Warrior" constituye, posiblemente, el primer ejemplo significativo del glam rock. Pero la música de Marc Bolan es de una riqueza e innovación tan grandes que va más allá de una simple etiqueta.

Insólitas y muy particulares letras para unos temas de imaginativas y novedosas texturas sónicas halladas en piezas de primer orden como "Mambo Sun", "Cosmic Dancer", el número 1 británico "Get it on", la primorosa balada "Girl", la clase y elegancia destilada por "The Motivator", "Life's a gas" o la colérica "Rip-Off".

La sensual interpretación vocal de Bolan, apoyado en los coros por los ex Turtles Howard Kaylan y Mark Volman, se encuentra engrandecida por una rutilante producción de Tony Visconti, quien realza con su buen hacer en el apartado técnico unas ya de por sí soberbias composiciones.

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Big brother and the holding company - Cheap thrills

2009-02-07T20:30:00.002+01:00

Segundo y último Álbum del grupo, fue el que les dio la fama, a ellos y sobre todo a su voz solista, Janis Joplin, una de las voces femeninas más potentes e importantes de la historia. Su portada es una de las más famosas de la historia del Rock, es un comic que presenta a los integrantes del grupo y todos los temas que lo componen.

El disco destila anarquía y sentimiento por los cuatro costados. Suenan como una banda compacta, se nota que se lo están pasando bien, todo el grupo comparte con Janis su Freakismo, su afición a la botella, a los psicotrópicos, al Blues, a la distorsión y sobre todo al Rock’nRoll.

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Lou Reed - Transformer

2009-02-07T20:20:00.002+01:00

Había en “Transformer” alguna referencia al rock’n’roll crudo que caracterizó a Reed con su grupo original. La fantástica “Vicious” es pura Velvet, con sus punteos estridentes y nerviosos, y cínica letra. “Hangin’ ‘Round”, riff característico y desfavorecedor retrato de personajes mediante, mantiene el hilo con un glorioso pasado. Y “Wagon Wheel” y “I’m So Free” pueden significar un puente entre el sonido de Reed y los nuevos tiempos que el Glam Rock estaban imponiendo. Pero, sobre todo, Bowie y Ronson dieron con una imagen completamente distinta de Lou Reed, hasta insertar su peculiar voz en ideas tan extravagantes como el aire de cabaret decadente de cosas como “Goodnight Ladies” y “New York Telephone Conversation” o el acompañamiento de tuba de “Make Up”.

Dejo para el final la verdadera joya de la corona, “Perfect Day”, la gran canción a medida que Frank Sinatra se murió sin grabar. Para un servidor es una de las mayores cumbres de la música pop. Como en toda gran canción de Reed las cosas no son lo que parecen, y por debajo de los suntuosos arreglos de cuerda de Ronson, de la aparente cursilería de las visitas al zoo, del cine, de la sangría a medias en el parque, del perfecto día en pareja, late algo más. Ya lo advierte el embelesado narrador de la canción, hay algo que no encaja: “Un día tan perfecto/ que me hiciste olvidarme de mí mismo/ me hiciste creer que era alguien distinto/ alguien bueno”. Por eso cuando llega los momentos finales, cuando el piano gotea notas y las ampulosas cuerdas le dan toda el dramatismo del mundo al asunto, oímos a Reed reiterar enigmáticamente que “Vas a recoger lo que has sembrado”. Y de alguna manera ya no estamos tan cómodos, todo parece terriblemente triste, terriblemente hermoso y terriblemente real. Así ha creado Reed todas sus obras maestras, y ésta es otra de ellas.

“Transformer” es, sin duda, un disco especial y distinto. Imperfecto e irrepetible, nos muestra un lado de Lou Reed que no volveríamos a ver jamás. Y la verdad es que, a veces, se echa de menos.

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Metric - Old world underground, where are you now?

2009-02-07T19:58:00.002+01:00

Originalmente formados en 1998, en Nueva York, Metric está actualmente establecido en Toronto, Ontario.

La banda está formada por Emily Haines (voz y sintetizadores), James Shaw (guitarra), Josh Winstead (bajo) y Joules Scott-Key (batería).

Es el típico disco para escuchar cuando no se sabe que escuchar, el que saca de la ofuscación musical a cualquiera, con un buen puñado de temas adrenalíticos, pegadizos, a medio camino entre la electrónica y el indie rock. Muy infravalorado.

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Yo la tengo - I can hear the heart beating as one

2009-02-07T19:49:00.003+01:00

Yo la tengo es una banda de rock indie estadounidense creada en 1984 en la localidad de Hoboken, New Jersey.

El nombre proviene de una anécdota del béisbol. Durante la temporada del año 1964, el jugador de los New York Mets, Richie Ashburn chocaba constantemente con su compañero venezolano Elio Chacón. Cada vez que Ashburn corría para atrapar la pelota, lo hacía gritando “I got it! I got it!” sólo para terminar chocando con los 73 kilos de Chacón que no entendía inglés. Ashburn, aburrido, aprendió a decir “¡Yo la tengo! ¡Yo la tengo!”. En un juego, tras gritar “¡Yo la tengo!” vio feliz como su compañero Chacón se detenía. Corrió tranquilamente a detener la bola cuando choca con los 91 kilos de su compañero Frank Thomas, quien no hablaba español.

En este disco logran hacer un trabajo impoluto que es capaz de mezclar elementos tan distantes como el Folk, el Shoegaze y algo de Electrónica. La manera en que lo hacen es completamente inteligente, ya que a lo largo del disco canciones de largos minutos de instrumentación de Rock pura son seguidas de pequeñas grandiosas canciones con melodías Pop que resultan totalmente atrapantes, significando musicalmente y a largo plazo, la mejor jugada de la banda hasta la fecha.

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Comets on fire - Blue cathedral

2009-02-07T17:29:00.003+01:00

Rock ácido como ya nadie hace, eso es a lo que los Comets on Fire se dedican. Space rock, noise, psicodelia y los garages norteamericanos de los años 60 confluyen en una propuesta donde el rock duro es el ingrediente catalizador de todo.

Este "Blue Cathedral" sorprendió a propios y extraños, y para ser correctos seguro que influenció en muchas ideas al "Frances The Mute" de The Mars Volta. La diferencia es que las cosas les salieron mucho mejor a Comets On Fire. Algo como más natural. Por ejemplo, los 7 minutos iniciales del disco con "The Bee and the Cracking Egg" están mas que justificados: atronador momento punk psicodélico que nos da el primer aviso.

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The Mary Onettes - The Mary Onettes

2009-02-07T17:15:00.003+01:00

Lo que les ha pasado a estos cuatro suecos de Jönköping en poco tiempo es la típica historia de un grupo de pop. Un primer disco que sabe a gloria titulado como la propia banda y que incluye canciones perfectas como «Lost» o «The companion».

Se llaman Philip Ekström, Henrik Ekström, Simon Fransson y Petter Agurén, los ha fichado el cada vez más influyente sello sueco Labrador y graban bajo el influjo del shoegaze pop y sobre todo de una banda mítica como pocas, Joy Division.

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Spoon - Ga Ga Ga Ga Ga

2009-02-07T17:02:00.003+01:00

Spoon es una de esas muy pocas bandas en la que la mayoría de gustos llega a coincidir sin problemas. No buscan originalidades, apelan a sus gustos por melodías que transitan desde glam hasta el pop rock practicado por toda esa amplía gama de representantes de la órbita independiente y cuya gloria alcanzaron gracias a este disco redondo y animado que apareció en el verano de 2007, con un sonido pegajoso y una colección de hits bastante sorprendente.

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The Libertines - Up the bracket

2009-02-07T16:46:00.005+01:00

The Libertines, banda inglesa de rock, caracterizados por un estilo que fluye entre el punk y lo más melódico del britpop y sus constantes problemas internos.
La banda llegó al máximo de su fama al principio de la década de los 2000, encabezando el movimiento revival del garage rock de ese tiempo. La banda se centraba en el dúo compositivo de Pete Doherty (voz/guitarra rítmica) y Carl Barât (voz/guitarra principal), respaldados por John Hassall (bajo) y Gary Powell (batería). A pesar de ello, el éxito musical de la banda se vio eclipsado por sus permanentes conflictos internos, muchos de los cuales causados por el uso continuado de drogas por Doherty, causando la separación final de la banda. Los miembros de The Libertines han formado varias bandas, con variados resultados de éxito comercial y crítico.

Up the Bracket suena como hubiera sido grabado en mitad de una fiesta, de las buenas, y ya lo advierte el título, que sígnifica literalmente "esnifar cocaína". Una de esas noches en las que andas confundido como un Dinio cualquiera: “please kill me, oh baby don’t kill me", pero de lo único que estás seguro es que estás escuchando Death on the Stairs, el temazo del disco, y que estás salvando la noche. Este disco es lo mejor que Pete Doherty hará en su vida.

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Blonde Redhead - 23

2009-02-07T16:37:00.002+01:00

Maestros en crear ambientes únicos con un sonido muy personal, son una banda cosmopolita, formada por los italianos Simone y Amadeo Pace, y la japonesa Kazu Makino. En sus canciones igual existen barcos naufragados que Alex DeLarge y así como son versátiles en los temas, también lo son en los instrumentos. Conviven aquí mandolinas, secuenciadores, distorsión, jazz, órganos… regidos por la voz eternamente niña/sepulcral. Uno de los grupos más interesantes de la última década.

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Camino, de Javier Fesser

2009-02-07T00:39:00.003+01:00

Suspenso sin paliativos. No quiero excederme criticando las formas tan…ñoñas y cursis de esta película, quiero creer que esa era realmente la intención de Fesser, y ahí no me pienso meter, igual que no me meto con La casa de la pradera ni con Heidi, simplemente tienen un tono que no me va en absoluto. Pero dios... es una de las películas más repelentes que recuerdo haber visto, con el personaje de Carme Elías a la cabeza, que me repugna directamente , y más aún después de su frasecita “Demos las gracias a Jesucristo por la enfermedad de nuestra hija”. Si la intención de ese personaje era dar asquito al espectador desde luego que conmigo lo ha conseguido, tanto que ha influido muy negativamente en mi valoración de todo el conjunto global. Creo que el único mérito verdadero que posee Camino, y que le puede hacer desmarcarse del resto en cuanto a personalidad y entidad es que causa ateísmo desde el fervor religioso. Tanta coletilla “Jesús nos ayudará”, “Jesús quiere llevarte al cielo porque te necesita allí más”… causan el efecto contrario, más que simpatía y esperanza hacia el cristianismo lo que produce es ganas de pegarle una somanta de palos a la madre que parió a Camino y al cura.

Aquí el único que realmente lo parte no es ni Carme Elías ni Nerea Camacho, sino Mariano Venancio, que lo borda y hace una interpretación realmente DRAMÁTICA, idónea para un film de este calado, y cuyo papel es la excepción que merece la pena de entre todo el elenco de personajes, el único que tiene algo de profundidad y de relieve, el que sufre alegrías y penas, altibajos emocionales interesantes y justificados, y el que no se limita a cumplir con un registro lineal dentro de la película. Y bueno, alguno de los sueños de Camino también están bien representados, en especial en los que aparece el ángel. Pero ya está, ni le veo virtudes evidentes a esta obra de Fesser que la justifiquen como un gran bloque que vaya a pasar a la historia del cine español ni me ha llegado a conmover como se supone que intenta perseguir en todo momento, y a la desesperada totalmente. Si esta ha sido la mejor película española del año con diferencia menudo añito, para tirarlo por el retrete. He intentado darle una oportunidad a lo nuevo del cine español con lo que parece que es la mejor opción del 2008 y me ha salido el tiro por la culata, "Los girasoles ciegos" y "Sólo quiero caminar" se las dejo a otro voluntario.

4/10

Radiohead - OK Computer

2009-02-01T23:46:00.007+01:00

18 años, comienzo de universidad, viajes en autobús, aburrimiento supremo y necesidad de encontrar algo productivo en lo que invertir el tiempo. Empiezo a consultar listas de los mejores discos, necesito algo nuevo, savia nueva, escuchar nuevos estilos que me alejen ya del círculo vicioso y sin sentido del heavy de Warcry y Sphinx, de lo gastados que tenía los discos de Queen.

Y veo que este álbum aparece por todas partes: mejor disco de los 90, uno de los 10 mejores de la historia, el disco de los últimos 20 años que más influirá en décadas posteriores...pues me hago con él y lo escucho por primera vez. Joder que mierda es esta, que sonidos más estridentes, que caos tan patético...a los 5 días de vuelta al autobús lo vuelvo a escuchar. Mmmm este caos puede tener su punto, no está tan mal, y "Let Down" parece que no está nada mal...1 mes después no me lo podía quitar de la cabeza, "Let Down" era mi nuevo himno, "Karma Police" y "No surprises" eran sus escuderos, y lo volvía a escuchar por centésima vez. De Radiohead siguieron viniendo a mis oídos otros discos inmediatamente después: "The Bends" y la consolidación de que este grupo se iba a convertir en una de mis vacas sagradas, "Kid A", y el puñetazo en la mesa de que podrían seguir innovando y no caer en el hartazgo, y hace poco el "In Rainbows", y la confirmación de que a este grupo aún le quedan muchos coletazos de calidad por realizar.

http://rapidshare.com/files/19921327/Radiohead_-_OK_Computer.zip

Cándido o el optimismo, Voltaire

2009-02-01T23:25:00.003+01:00

Notable y fugaz novela, tanto en duración como en agilidad de prosa, del señor François Marie Arouet, alias Voltaire. Una irónica crítica a la filosofia de Leibniz («todo sucede para bien en este, el mejor de los mundos posibles»), personificado en la figura del maestro Pangloss dentro del libro. A la par que satírica, la novela, repleta de múltiples aventuras narradas de manera ligera y sencilla, resulta muy entretenida y ágil en la exposición de las diferentes aventuras y personajes que le van sucediendo al ingenuo protagonista, enamorado de Cunegunda, la hija del barón de Thunder-ten-tronck, quien siguiendo la doctrina de su maestro el doctor Pangloss y a pesar de la nefasta realidad que le circunda, siempre ve algo positivo en las continuas desgracias que le van sucediendo.

Voltaire, escribe en esta gran obra el curso de su vida. Por razones obvias, no es una autobiografía, sin embargo, cuando estudiamos la evolución psicológica de Cándido y la comparamos con la evolución de su autor, llegamos a la conclusión de que este ultimo reflejó su carrera como filosofo en este libro, donde demuestra su pesimismo moderado. Este pesimismo se basa en la tesis de Voltaire "Il faut cultiver notre jardin." (Hay que cultivar nuestro jardín). Con esto se refiere a que el mundo tal cual nunca cambiara, y que es imposible cambiarlo, pero si nos preocupamos de lo que nos rodea mas íntimamente, podemos hacer por lo menos de nuestra vida, mas prospera. Muy recomendable.

Cuando el cine te canta una nana

2009-01-31T02:25:00.002+01:00

Desde luego admiro a todas aquellas personas que tienen al 7º arte como un mero entretenimiento y en cuyas inocentes cabezas es inconcebible sentir sopor, angustia, aburrimiento extremo , y hasta contínuos bostezos al ver una película. No saben de lo que se libran. Y que por su bien no les venga la inquietud de adentrarse ni lo más mínimo en el cine alejado de la comercialidad y el convencionalismo, porque como se encuentren con algunas de las perlas somnolientas que pululan por ahí van a huir como del demonio, volviendo de nuevo a lo último de Will Smith, Seann William Scott o Jackie Chan como niño vuelve al regazo de su madre después de tener una pesadilla. Con esto no quiero decir que en el cine más taquillero no haya tostones, y claro que los hay a montones, pero sus directores ya se encargan de rodearlo todo de unos espectaculares fuegos artificiales, llámense guión bien mascadito, lineal y para toda la familia, escenas de acción trepidante cada X minutos o interpretaciones histriónicas, lo que sea para que el espectador no salga del cine con la sensación de haber sido estafado.

Voy ahora con unos cuantos ejemplos que contradicen esa máxima de que el Cine es puro entretenimiento. Pero ojo, con esto tampoco quiero decir que estas películas sean mojones, también tienen sus virtudes, algunas más que otras, lo que sí que tienen en común es un detalle, hubo alguien que filtró valium en polvo en el aire que se respiraba en el rodaje de estas películas.

Autohystoria. Director: Raya Martin.

0-38 min: Travelling lateral, cámara en mano, de un joven atravesando la ciudad de punta a punta, plano sin cortes, mientras el muchacho anda por la acera el cámara lo graba desde la otra acera. La gente que se cruza mira a la cámara, incluso saluda y algunos coches que pasan por la carretera pitan al cruzar. La imagen está en B/N y con un granulado muy intenso, es de noche y en las zonas oscuras de la calle prácticamente no se ve nada. 38 minutos, con todos sus segundos, sin cortes.

38-50 min: Un plano fijo con 12 minutos filmando una rotonda que tiene un obelisco en el centro. Pasan taxis, policía, autobuses...la imagen ya es en color y digital, mientras el plano inicial era en analógico.

50-59 min: Ya dentro de un coche, la imagen se centra en los rostros de 2 hermanos, primero en uno y luego en otro. Maniatados y confusos forcejean para intentar desatarse. El coche permanece 9 minutos dando vueltas a la rotonda anteriormente comentada.

59-1:00h: La luna llena encima de un frondoso bosque.La cámara avanza hacia delante mientras apunta hacia arriba.

1:00-1:15h: El realizador va detrás de los 2 hermanos,atados. Se ven sus espaldas contínuamente mientras andan, totalmente a oscuras, por el bosque. En una ocasión uno de ellos se vuelve y pregunta al cámara "vas a dispararnos?", luego siguen andando. Y así 15 minutos.

1:15-1:21h: Ahora el plano permanece fijo en los 2 hermanos, que parecen agotados y heridos. Los 2 permanecen de pie durante los 6 minutos, uno mirando al suelo, el otro al infinito. Se mueven extrañamente, parece que tengan la vejiga llena y estén a punto de mearse encima. De repente el ejecutador (que va grabándolo todo en primera persona) le pega un tiro a uno de los hermanos. El otro empieza a huir...pero ahí se corta la escena. Y luego se suceden escenas de la naturaleza del bosque y de una película muda de 1902.

Madre e Hijo, Aleksandr Sokúrov

Un muchacho, cuya madre, ya anciana, está gravemente enferma y apunto de morir. El muchacho la saca en brazos por el campo, fuera de su casa. La lleva en brazos de un lado para otro, andando caminos, bosques…La lleva de vuelta a su casa hora y media después. Fin

Gerry, Gus Van Sant

Dos amigos van en coche por una carretera cuando de pronto se desvían por un camino y llegan a un vasto terreno, donde comienzan a andar hasta que se pierden. Se separan para poder orientarse y buscar una salida pero se pierden más aún. Siguen andando, se pelean, discuten, y siguen andando. The End.

Una de discos

2009-01-31T00:35:00.007+01:00

A continuación una microlista con algunos de mis discos de cabecera, que considero imprescindibles para cualquiera que se considere amante de la música.

Quién diría que este discazo tiene más de 30 años...cuando los Strokes, Libertines, Arctic Monkeys, Franz Ferdinand & cía andan buscando aún el disco de rock perfecto Television ya lo hicieron en su primer álbum, y conservando todavía la misma frescura que en su lanzamiento. ¡Qué juego de guitarras!

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Considerado como el primer disco nétamente progresivo de la historia del rock, y como se suele decir...la primera en la frente. Aún está por aparecer ese disco que lo desbanque, que logre meter en la batidora sonidos jazzísticos, sinfónicos y rockeros para dar lugar a algo tan grande.

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Mentiría si no dijera que este probablemente sea el disco que más he escuchado en mi vida, en dura pugna con el Ziggy Stardust, de Bowie, el Funeral, de Arcade Fire, el Rain Dogs, de Tom Waits, o el London Calling de los Clash. Lleno de pelotazos, es uno de esos milagros musicales donde no sobra absolutamente ningún tema, ningún segundo del disco, ningún acorde. Cuando alguien me pregunta que es el brit pop automáticamente les dejo el Different Class, y siempre vuelven pidiendo más. Entonces es cuando sigo con los Blur, Oasis, Suede...XD

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Sobran adjetivos para definirlo, si se hiciera una encuesta a nivel mundial sobre los mejores discos de la historia, este SEGURO estaría entre los 10 primeros. Es la confirmación de David Bowie como una de las figuras musicales más importantes de los últimos 50 años, es el glam rock llevado a su máximo nivel, una explosión de inspiración y vanguardismo, y es el trabajo que todo compositor ardería en deseos de realizar.

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Otro de esos extraños casos donde sale de la chistera un disco sin ningún "pero" en forma de canción sobrante ni tema "oveja negra". Sinónimo del sonido Madchester y poderosa influencia del posterior britpop, es la frescura encarnada en un disco.

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El curioso caso de Benjamin Button

2009-01-27T21:39:00.003+01:00

Y David Fincher vuelve a demostrar que no es "aquel director de Seven y El Club de la lucha" sólamente. De nuevo vuelve a rozar la maestría clásica que se insinúa constantemente en sus grandes obras y lo consolidan como uno de los grandes autores de las últimas dos décadas. Si Zodiac aportaba nuevos detalles y maneras a un género tan quemado y venido a menos como el thriller policíaco, El curioso caso de Benjamin Button da una vuelta de tuerca totalmente necesaria a la epopeya fantástica, subgénero totalmente olvidado y aparcado tras el "Big Fish" de Tim Burton. Si hasta hace unos días pensaba que Slumdog Millonaire sería una ganadora justa de los Oscars, fue hasta que me encontré con esta maravilla y ahora me daría igual cual de las dos lo vaya a ganar. La película lleva una curva ascendente genial, el principio no deja de recordar a un Burton o al comienzo de El Perfume, de Tom Tykwer, con un guión y unas escenas más anecdóticas y resultonas que trascendentes. No es hasta la aparición de la pequeña Cate Blanchett y las posteriores andanzas marineras de Benjamin donde uno se va dando cuenta de que toda la historia va cogiendo solidez y forma, para terminar en un último tercio donde la gran epopeya amorosa, que parece haber sido escrita por el mismo Homero, emerge y empieza a bombardear al espectador con escenas antológicas. El regusto que deja con las escenas finales es inmejorablemente nostálgico, sin sentimentalismos ni excesos de dramatismo, extrayendo de ese "curioso caso" toda una gran historia y una lección de cine, llamada a ser una de las películas del año.

9/10

Speed Test

2009-01-27T19:55:00.003+01:00

71 palabras

Speed test

Para algo valió un año yendo a mecanografía...

Chispazos literarios

2009-01-24T00:56:00.004+01:00

Es exacto y verdadero que la separación de lo espiritual y lo carnal en un hombre es signo de su virilidad, y la separación entre lo espiritual y lo carnal en una mujer es signo de su prostitución. Y bastaría con que todas las mujeres, juntas, se virilizaran para que el mundo, el mundo entero, se transformara en un burdel.
Para un hombre enamorado, todas las mujeres no son mas que mujeres, excepto aquella que ama - ésta es para él un ser humano -. Para una mujer enamorada, todos los hombres son sólo seres humanos, con excepción del que ama; para ella, este es un hombre.
Esta es la triste verdad que se impone mas y mas.
Y por último, la certidumbre (experimentada tantas veces ya, y cada vez a su manera) de que los encantos de un cuerpo de mujer que inflaman los sentidos son como olores de cocina - excitantes cuando se tiene hambre, repugnantes cuando se está saciado.
Novela con cocaína - M.Agueiev

"Las personas mayores aman las cifras. Cuando les habláis de un nuevo amigo, no os interrogan jamás sobre lo esencial. Jamás os dicen: "¿Cómo es el timbre de su voz? ¿Cuáles son los juegos que prefiere? ¿Colecciona mariposas?" En cambio, os preguntan: "¿Qué edad tiene? ¿Cuántos hermanos tiene? ¿Cuánto pesa? ¿Cuánto gana su padre?" Sólo entonces creen conocerlo. Si decís a las personas mayores: "He visto una hermosa casa de ladrillos rojos con geranios en las ventanas y palomas en el techo..." no acertarán a imaginarse la casa. Es necesario decirles: "He visto una casa de cien mil francos". Entonces exclaman: "¡Qué hermosa es!"
El Principito - Antoine de Saint-Exupéry

Su amor no era sencillo

Los detuvieron por atentado al pudor. Y nadie les creyó cuando el hombre y la mujer trataron de explicarse. En realidad, su amor no era sencillo. Él padecía claustrofobia, y ella, agorafobia. Era sólo por eso que fornicaban en los umbrales.
Mario Benedetti

–No te cases nunca, nunca, amigo mío; te lo aconsejo. No te cases antes de que puedas decirte a ti mismo que has hecho todo lo posible por dejar de amar a la mujer escogida antes de verla tal como es; de otro modo, te equivocarás cruelmente, sin remedio… Cásate sólo cuando seas un viejo inútil… De lo contrario, morirá cuanto en ti haya de bueno y de noble; todo se dispersará en menudencias sin importancia. ¡Sí, sí, sí! No me mires con tanto asombro. Si ambicionas hacer algo en el porvenir, a cada paso te darás cuenta de que todo ha terminado para ti, que está cerrado, excepto el salón donde te verás a la altura de un lacayo de corte y de un idiota… Pero ¡a qué hablar!...– y agitó la mano con energía.

Pierre se quitó los anteojos, lo que cambió su rostro, que reflejaba todavía más bondad, y miró atónito al amigo.
–Mi esposa– continuó el príncipe Andréi –es una mujer excelente: una de esas raras mujeres con las que no peligra el honor de uno; pero, Dios mío, ¿qué no daría yo ahora por estar soltero? Eres la primera persona y el único a quien digo esto, y lo hago porque te quiero.
Al hablar así, el príncipe Andréi se parecía aún menos al Bolkonski de antes, arrellanado en los sillones de Anna Pávlovna, diciendo, entre dientes y con los ojos entornados, frases en francés. Ahora cada músculo de su enjuto rostro vibraba de nerviosa agitación y los ojos, antes apáticos e indiferentes, irradiaban vivísima luz. Era evidente que cuanto más displaciente parecía su vida cotidiana, mayor energía mostraba en los momentos de irritación.

–Tú no alcanzas a comprender por qué hablo así– prosiguió –, y sin embargo es la historia entera de la vida. Hablabas de Bonaparte y de su carrera– añadió, aunque Pierre no se había referido a Bonaparte. –Hablabas de Bonaparte, pero cuando Bonaparte trabajaba, cuando avanzaba paso a paso hacia su meta, era libre y no tenía delante otra cosa que su objetivo, y lo alcanzó. Pero en cuanto te atas a una mujer, entonces pierdes toda libertad, como un preso atado a sus cadenas. Cuando hay en ti de esperanza y de energía te oprime, y el arrepentimiento te atormenta. Recepciones, chismes, bailes, vanidades, nulidad; he aquí el círculo vicioso del que yo no puedo salir. Ahora parto para la guerra, para la mayor guerra que nunca haya existido, y no sé nada, no sirvo para nada. Je suis très aimable et très caustique– prosiguió el príncipe Andréi –y en casa de Anna Pávlovna me escuchan. Y esta necia sociedad, sin la cual no puede vivir mi esposa, esas mujeres… ¡Si tú pudieras saber cómo son toutes les femmes distingues y, en general, todas las mujeres! Tiene razón mi padre: el egoísmo, la vanidad, la estupidez, la nulidad en todo, aquí tienes a las mujeres cuando se muestran como son en realidad. Cuando se las ve en sociedad parece que valen algo, pero, en verdad, no valen nada, nada, nada. No te cases, amigo mío, no te cases– concluyó el príncipe.
Guerra y Paz - Tolstói

Me senté en un compartimiento. La camarera vino hacia mi. Llevaba una minifalda, tacones altos, una blusa transparente y sostén bien relleno. Todo le estaba demasiado pequeño: su uniforme, el mundo, su cerebro. Tenia un rostro duro como el acero. Cuando sonreía dolía. Le dolía a ella y me dolía a mi. Siguió sonriendo. Aquella sonrisa era tan falsa que se me erizaron los pelos del brazo.
Se alejo con paso suave, tratando de menear el trasero provocativamente. No lo consiguió.
De repente empece a deprimirme.
No, no Belane, me dije a mi mismo.
No dio resultado. Todo el mundo estaba jodido. No había ganadores. Solo había ganadores aparentes. Todos íbamos detrás de un montón de nada. Día tras día. Sobrevivir parecía ser lo único necesario. Y eso no parecía suficiente. No con la señora Muerte esperando. Me volvía loco cuando pensaba en eso.
No pienses en eso, Belane, me dije a mi mismo.
No dio resultado.
Pulp - Charles Bukowsky

Cuentan que una noche, un caminante cansado de andar durante todo el día, paró a descansar a las afueras de un poblado tibetano. No llevaba mucho tiempo durmiendo cuando un joven le despertó, y tras saludarle, angustiado, le dijo:-Dámelo.-¿Qué he de darte?- respondió el hombre, confunso.-Verás, anoche se me apareció Buda en sueños. Me dijo que, a la salida del pueblo, encontraría a un caminante y que él me daría algo que me convertiría en el hombre más rico del mundo. -Ah.. te referirás a esto..- y tras rebuscar en su vieja mochila, le entregó al chico, sin darle ninguna importancia, un enorme diamante, el más valioso del mundo, que apenas le cabía en la mano.
El joven se fue contento a su casa, se metió en la cama e intentó dormir. Pero algo le preocupaba, no podía dejar de pensar en ello...A la mañana siguiente, muy temprano, corrió a buscar al caminante, que estaba ya a punto de emprender de nuevo su viaje. Le puso el valioso diamante en la mano y le dijo:-Te devuelvo tu joya... dame, en cambio, lo que te permite deshacerte de ella.

Cómo hay que vencer.-No se debe querer vencer cuando unicamente se tiene la perspectiva de sobrepasar de un cabello al adversario.La buena victoria debe poner en buen animo al vencido,debe tener algo de divino que evite la humillacion.
Friedrich Nietzsche

Como de costumbre, un cuarto de hora después del desayuno, me coloco una flor de jazmín detrás de la oreja y me dirijo al retrete. En cuanto me siento, hago una deposición sin apenas olor. Y eso, a tal extremo, que el papel higiénico perfumado y mi brizna de jazmín dominan por entero el ambiente. Este acontecimiento hubiera podido ser fácilmente pronosticable gracias a los sueños beatíficos y extraordinariamente placenteros de la noche anterior, que, en mi caso, anuncian indefectiblemente defecaciones suaves e inodoras. La deposición de hoy es, de entre todas, la más pura, si es que el empleo de este adjetivo resulta el más adecuado para este caso. Atribuyo este hecho, sin asomo de duda, a mi ascetismo casi absoluto, y vuelven a mi memoria mis deposiciones en la época de mis excesos madrileños con Lorca y Buñuel, cuando tenía veintiún años. Era una innombrable ignominia pestilente, discontinua, espasmódica, salpicante, convulsiva, infernal, ditirámbica, existencialista, escocedora y sanguinolenta comparada con la de hoy. Esta continuidad casi fluida me ha hecho pensar durante toda la jornada en la miel de las industriosas abejas.Tuve una tía que sentía horror por cualquier escatología. El solo pensamiento de que podía dejar escapar un pedo le llenaba los ojos de lágrimas. Ella cifraba toda su honra en el hecho de que nunca en su vida había echado uno. Hoy me parece una superchería menos impresionante que entonces. En efecto, durante mis períodos de ascetismo y de vida espiritual intensa, debo hacer constar que casi nunca dejo escapar un pedo. Esta afirmación, que encontramos a menudo en los viejos textos, según la cual los anacoretas jamás producen excrementos, me parece cada vez más cerca de la verdad, sobre todo si se tiene en cuenta la idea de Felipe, Aureolo, Teofrasto, Honorato Bombast de Hohenheim, según la cual una boca no es una boca, sino más bien un estómago, por lo que, tras una prolongada masticación sin tragar, aunque escupas el alimento, sigues, pese a todo, alimentado. Los anacoretas mastican y escupen raíces y saltamontes. Es la fe y la impresión ingenua de que viven ya del aire del cielo lo que les proporciona esa euforia.La necesidad de engullir -ya la he descrito en mis profundos estudios sobre el canibalismo- responde más a un deseo impulsivo de orden afectivo y moral que a una necesidad de nutrición. Tragas para identificarte totalmente y de la manera más absoluta con el ser amado. Por eso engullimos la hostia sin masticarla. De ahí el antagonismo entre masticar y tragar. El santo anacoreta tende a separar ambas cosas. Para entregarse enteramente a su papel terrestre y rumiante (en cierto modo filosófico), él desearía no tener que recurrir, para su subsistencia vegetativa, sino a sus mandíbulas, reservando así exclusivamente el acto de engullir a Dios.
Diario de un genio - Salvador Dalí

Cuando por la noche uno parece haberse decidido terminantemente a quedarse en casa; se ha puesto una bata; después de la cena se ha sentado en la mesa iluminada, dispuesto a hacer aquel trabajo o a jugar aquel juego terminado el cual habitualmente uno se va a dormir; cuando fuera el tiempo es tan malo que lo más natural es quedarse en casa; cuando uno ya ha pasado tan largo rato sentado tranquilo a la mesa que irse provocaría el asombro de todos; cuando la escalera está oscura y la puerta de calla trancada ya, y cuando entonces uno, a pesar de todo esto, presa de una repentina desazón, se cambia la bata; aparece enseguida vestido de calle; explica que tiene que salir, y además lo hace después de despedirse rápidamente; cuando uno cree haber dado a entender mayor o menor disgusto de acuerdo con la celeridad con que ha cerrado la casa dando un portazo; cuando en la calle uno se reencuentra, dueño de miembros que responden con una especial movilidad a esta libertad ya inesperada que uno les ha conseguido; cuando mediante esta sola decisión uno siente concentrada en sí toda la capacidad determinativa; cuando uno, otorgando al hecho una mayor importancia que la habitual, se da cuenta de que tiene más fuerza para provocar y soportar el más rápido cambio de necesidad de hacerlo, y cuando uno va así corriendo por largas calles, entonces uno, por esa noche, se ha separado completamente de su familia, que se va escurriendo hacia la insustancialidad, mientras uno, completamente denso, negro de tan preciso, golpeándose los muslos por detrás, se yergue en su verdadera estatura.Todo esto se intensifica aún más si a esas altas horas de la noche uno se dirige a casa de un amigo para saber cómo le va.
El paseo repentino - Franz Kafka

Recordando..

2009-01-17T01:14:00.000+01:00

...uno de los momentos más castizos y ejpañoles que ha dado la televisión española. Análisis de pose pseudointelectual sobre "el hombre blandengue" a cargo de Jose Luis Cantero, El Fary.

Directores de Cine

2009-01-17T00:16:00.000+01:00

Posiblemente una de las clasificaciones más productivas, condensadas, y a la vez relevantes, que se pueden hacer sobre el Cine. Y curiosamente toda la diferenciación entre directores, corrientes cinematográficas y filmografías específicas es una de las labores más apasionantes que puede tener el 7º arte. Porque al principio te gusta el cine, como a todos, es decir, lees el fotogramas y te entusiasmas con los próximos estrenos de qualité. Como en cualquier campo, los curiosos progresan. Llega un momento que te entusiasmas por el cine: entonces se abre ante ti el mundo de los grandes autores, clásicos o modernos. Descubres con infinita alegría que podrás estar viendo películas extraordinarias toda tu vida. Nadas en la abundancia. Entonces, con el tiempo, el cine acaba plantando su semilla. Vive en ti, respiras cine. Y das el paso.

Te conviertes en un cazador de películas, pero no en el sentido del coleccionista; a éste no le gusta tanto el cine como el fetiche. Entonces, eres más parecido a un entomólogo en busca de una mariposa exótica; no buscas poseer el soporte material de la película, simplemente verla, experimentarla. Y ahora sin más dilación expongo los directores con los que más he disfrutado, aprendido, divagado...

1. Stanley Kubrick

2. Martin Scorsese

3. Roman Polanski

4. David Cronenberg

5. Brian de Palma

6. Clint Eastwood

7. Alfred Hitchcock

8. John Cassavetes

9. Quentin Tarantino

10. Francis Ford Coppola

11. Michael Mann

12. Robert Bresson

13. Billy Wilder

14. Adolfo Aristarain

15. Joel/Ethan Coen

16. Sergio Leone

17. Victor Erice

18. Charles Chaplin

19. F.W. Murnau

20. Luis Buñuel

Slumdog Millionaire

2009-01-16T23:59:00.001+01:00

Personalmente creo que se trata de la mejor película de Danny Boyle, sí, incluso superior a la tan ensalzada Trainspotting, y un escalón por encima de otras notables obras como Sunshine o 28 días después. Ya detrás de ese póker vendrían obras menores como Millones o la insultante La Playa.

A todos los futuros detractores de Slumdog Millionaire (miedo me da pensar en como traduciran este título al castellano cuando se estrene en los cines españoles...) les voy a facilitar el trabajo con los adjetivos negativos más usuales que se llevará: “producto prefabricado para ganar premios, videoclipero, con un final efectista y excesivamente azucarada” Y no irán mal encaminados, de hecho a los más puristas del lenguaje cinematográfico les dará más de una arcada. Pero a mí me ha ganado completamente. Desde su típica historia lacrimógena de amor mil y una veces vista hasta el políticamente incorrecto bailecito de los créditos. Tampoco es que me parezca a hymn to life, como se le ha querido vender, lo que sí que creo que es una de las historias románticas mejor planteadas y más humildes que he podido ver en mucho tiempo. Con un enfoque inicial “flashback (su infancia) dentro de otro flashback (el concurso)” bastante interesante, Boyle y Loveleen Tandan logran un comienzo de película bastante sólido y serio, apoyado en una convincente actuación de Dev Patel (atentos los que vean Lost, porque gestualmente la interpretación de Mattew Fox y Dev me parecen idénticas), y adornada con un potente estilo visual y una fotografía sublime. El panorama se tuerce, para bien o para mal, cuando aparece Latika ya de mujerzuela, y la anterior reconstrucción biográfica-dramática de Jamal se transforma repentínamente en una relación romántica pastelosa (“Escápate conmigo ahora” “¿Y de qué viviremos?” “¡De amor!”). Es ahí donde van a aparecer todas las divergencias sobre este film, donde la narrativa de Ciudad de Dios se transforma en El Diario de Noa, y donde la película te atrapa por completo y te emociona o te descuelga y te saca definitivamente de ella.

Se le podrán sacar mil pegas de inverosimilitud en el guión y la forma, o decir que el Paper Planes de M.I.A está metido con calzador en la escena del tren, pero el repertorio de sentimientos que aporta esta película, el exotismo de emociones y el encanto de sus historias llega a ser embaucador.

9/10

Mi nombre es Harvey Milk

2009-01-16T23:43:00.001+01:00

Vuelca de tuerca totalmente necesaria para el señor Gus Van Sant. No todo en el Cine va a ser experimentar y crear estilo, también hay que ganarse el pan con algún trabajo más comercial después de sus cuatro semiminoritarios trabajos anteriores, a saber: 1º.Gerry. Un coñazo supino, tan solo sustentada por los dos pilares interpretativos de Cassey Affleck y Matt Damon, el resto es puro vacio en la memoria... 2º.Elephant, una película más ramplona que mordiente, que sin llegar a ser mediocre se queda a medio gas entre tanto plano secuencia. 3º Last Days, que aún no he visto pero cuyo visionado tengo pendiente realizar en breve... y 4º. Paranoid Park, mucho más apetecible y disfrutable que la trilogía anterior, quizás su mejor obra desde El indomable Will Hunting.

Volviendo a Mi nombre es Harvey Milk, una película de contrastes bien marcados, lo grandilocuente y político frente a lo intimista y personal, lo operístico frente a lo hippie. Uno de los mayores aciertos y que mejor ha sabido engrasar Van Sant es la introducción de elementos documentales dentro del plano ficticio, bajo una dirección más que notable, dominando en todo momento el dualismo constante de escenas interiores y exteriores que se van intercalando, ambientando el San Francisco de los 70 a la perfección y con algunos planos soberbios. Biopic sobresaliente, perfecto hasta donde suena el Queen Bitch de Bowie, donde se abandona ese aire indie para empezar a tomar un tono mucho más político y un ritmo cansino, del que esperaba un planteamiento más directo y menos regodeante en debates, senadores, leyes, propuestas y revueltas. 20 minutos menos en esa parte central, o un enfoque mucho más informal y desenfadado y estaríamos hablando de una de las películas del año, con un Sean Penn que lejos de realizar una actuación provocativa y sobregesticulada, para el tipo de personaje que interpreta, cargado de ambición, energía y carácter, está bastante comedido en la mayoría de las escenas, tan sólo deja sacar el amaneramiento gayer en puntuales momentos donde la situación lo permite. El Oscar se lo merece sin duda, puede que sea una de sus interpretaciones más completas, solo superada por Mystic River y El asesinato de Richard Nixon, aunque también es cierto que es otro de esos casos evidentes donde el maquillaje pone en bandeja el lucimiento al actor y realiza un porcentaje bastante elevado de su caracterización. De Josh Brolin tres cuartos de lo mismo, perfecto el aire de impotencia y derrotismo que impone a su personaje. Emile Hirsch y James Franco magníficos también. Pero en el otro extremo, y como uno de los lunares de la película, está Diego Luna, que se vuelve insoportable y totalmente perdido delante de la cámara, limitado por los constantes gestos de pluma repelente, sonrisita y mano caída.

Ahora que ya ha hecho caja, señor Gus, ya puede seguir usted con sus excesos, planos fijos y planos secuencias interminables detrás de la cámara.

7/10

Top 5 Internacional 2008

2009-01-02T21:18:00.000+01:00

Con enlaces en descarga directa para que los podáis catar at the moment. De nada!

1. The Last Shadow Puppets - The Age Of The Understatement

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2. Kings of Leon - Only by the night

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3. Vampire Weekend - Vampire Weekend

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4. Deerhunter - Microcastle

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5. The Walkmen - You & Me

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Las películas del 2008

2009-01-02T17:02:00.000+01:00

Aún faltándome por ver muchas de las más destacadas del ya pasado año (The Fall, Viaje a Darjeeling, Che: El argentino, Hacia rutas salvajes, Al otro lado, My Blueberry Nights, This is England...) aquí va esta lista personal de lo mejor que he visto en pantalla grande (o en monitor de pc...) durante los pasados 12 meses. Las decepciones también tienen nombre y apellidos: Indiana Jones IV y Vicky Cristina Barcelona.

1. No es país para viejos

2. Wall·E

3. El Caballero Oscuro

4. La Niebla

5. El Intercambio

6. Los Cronocrímenes

7. Gomorra

8. Pozos de ambición

9. El Incidente

10. Antes que el diablo sepa que has muerto

Food, Jan Svankmajer

2009-01-02T16:47:00.000+01:00

Tres cortos experimentales del pintor y director checo Jan Svankmajer: Food (Breakfast, Lunch y Dinner), una de sus mejores obras y realizados en stop motion. Especialmente Breakfast y Lunch, los dos primeros videos, se quedan grabados a fuego en la retina durante mucho tiempo.

Breakfast

Lunch

Dinner

Las fotos del 2008

2008-12-24T16:00:00.000+01:00

(click en las imágenes para agrandar)

2008-12-22T13:55:00.000+01:00

Momentos musicales 2008

Y ya por fín, terminado el 2008, y a modo de resumen musical de lo que ha sido este año, no está de más hacer una pequeña reseña, lista o como se quiera llamar, de los trabajos musicales que más han sonado y se han comentado en distintas webs, revistas y lo que es más importante, los que más me han gustado a mí al fin y al cabo.

Nacionales

1. Nacho Vegas – El Manifiesto Desastre

Se hizo de rogar (o esperamos con demasiada antelación sus fans) el nuevo disco del asturiano, pero, en líneas generales, mereció la pena . Personalmente no alcanza la elegancia y perfección de Desaparezca Aquí y de Actos Inexplicables, este Manifiesto Desastre camina por otros derroteros, por el de la personalidad propia y el de la fusión de estilos, con un trabajo detrás de los teclados totalmente magnético y con la voz de Nacho más cargada de matices que nunca, desde la suavidad de Monduber hasta el desgarro de El tercer día. Este disco no suena a Nacho Vegas, suena a El Manifiesto Desastre, empezando por Lole y Bolan y En lugar del amor, temas imposibles de imaginar dentro de los trabajos anteriores de Nacho.

Las cimas del manifiesto son 3 canciones, 3 temazos en particular: empezando por Detener el tiempo, una oda a la nostalgia del pasado y a la esperanza del futuro, siguiendo por Crujidos, que contiene uno de los estribillos más buenos y pegajosos que haya compuesto el de Gijón, y terminando por la obra maestra del disco, la mejor canción española de este año, el desgarro y la rabia convertidos en una letra y una composición bestiales.

2. Russian Red – I Love your glasses

Al escuchar algunos discos mediocres se suele tener una sospechosa sensación de dejá vù, de estar escuchando algo que ya ha sido usado en decenas de ocasiones. La primera escucha de este disco es igual, no inventa nada nuevo dentro del folk pero en esta ocasión la señorita Lourdes (y no es precisamente la virgen) obra el milagro. Lo escuchas por segunda vez y te gusta más, a la tercera empieza a salir la sonrisa de estar disfrutando con lo que está sonando, y a la quinta vez te tiene embaucado, sumergido dentro de su angelical voz, enamorado.

No es un disco de 2 o 3 temas buenos y el resto insustancial y a remolque de esos (ejem Diana Krall, Norah Jones, etc...¬¬) Está Cigarettes, está No Past Land, está They Don’t Believe y están Nice Thick Feathers, Kis My Elbow, Gone, Play On... El disco es jodidamente bueno. Si la chica fuera de New Orleans hubiera sido elevada a los altares, pero no, es de los madriles, y tiene 22 años. Y un talento en potencia para poder hacer las canciones más preciosas del mundo.

3. Extremoduro – La ley innata

Y después de que Russian Red te haya subido al cielo llega Extremoduro, para bajarte a la Tierra poco a poco con su Dulce introducción al caos y ponerte a dar botes con los tres primeros Movimientos. Llega el sorpresón tan grande de ver a un Robe Iniesta renacido, cuando muchos aficionados y críticos ya lo daban por acabado, y realizando un disco que entra dentro de lo mejor de la banda, junto con el Agila y el Yo, minoría absoluta. El único defecto que no le hace ser redondo es que a partir del tercer movimiento empieza a ser monótono, repetitivo y redundante, utilizando el mismo material interpretado minutos antes pero con otro registro, eso en mi pueblo se llama rellenar por rellenar, lo haga Extremoduro o Milli Vanilli. Pero solo por el primer y el segundo movimiento La ley innata ¡¡vale su peso en oro!!

4. Tachenko – Esta vida pide otra

Después de señalar un disco folk/pop, otro folk/rock y otro rock, llega el momento poppie (¡viva la variedad y el eclecticismo!), el pop una y mil veces oído pero que nunca llega a cansar, el típico disco que uno se pone cuando no sabe qué escuchar ni qué hacer, para que levante el ánimo y ponga de vuelta y media a todo el que lo escuche. Y es que hacía ya mucho tiempo que no escuchaba un juego de guitarras tan bueno dentro de este país, con influencias del Marquee Moon de los Television. Pese a que Tachenko no inventa nada (me vienen algunas reminiscencias a Los Planetas y los Surfin Bichos), mantienen una frescura y originalidad impresionantes. Cada tema con personalidad propia y diferente al resto, entre los que destacan El mundo se acaba, Hacia el huracán, Quemados por el sol, El rey del balón, Exhibiciones y Robar y compartir.

5. Christina Rosenvinge – Tu labio superior

Mi quinto disco español más escuchado de este año, y no por ello menos bueno que los anteriores. Con ciertos paralelismos con el Manifiesto Desastre de Nacho Vegas (tanto musical como líricamente), La distancia adecuada es uno de los hits de año, y a rebufo de ese primer tema del disco hay verdaderas perlas como Eclipse, Anoche (el puñal y la memoria) y Tu Boca

Me engañaría a mí mismo si incluyera más álbums dentro del panorama nacional solamente a modo de relleno, pero esos son los cinco elegidos que me han parecido más notables. No obstante, siguen habiendo algunos discos muy destacables, como el último de el Sr.Chinarro, el debut de Cuchillo, prometedor grupo, el Sintética de Nudozurdo, o lo nuevo de Tote King; aún siendo casi el mismo hip hop que se viene haciendo en este país desde hace años, tiene una producción y un sonido totalmente diferentes. Y est est esto es todo amigos!!